Разделы:
Адрес редакции:
129110, Москва, Проспект Мира, дом52/1. 
Тел./факс: (095) 288-2401 
Тел.: (095) 284-3351
This site best viewed with I.E. 5.0 or higher, 1024/768 resolution.
(C) Copyright by Ballet Magazine, 2000. 
Design by L.i.D.

Линия - 2003 
ЛИНИЯ. Журнал «БАЛЕТ» в газетном формате.
№3/2003
 Обыкновенной богине ….
 Живая Душа
Чолпонбек
 Тысяча ночей и один вечер
Битва под cтук кокосов
Без имитации
Слово о Мастере
Мадам Лионелли
Ускользающая красота
Баланчин на родине Дягилева
Грезы на озере лебедей
Обыкновенной богине ….
21 марта 2003 года исполнится пять лет со дня смерти великой Галины Улановой. Таинство уникального таланта балерины, имя которой уже при жизни стало легендой и символом русского балета во всем мире, а также незабываемые образы, созданные ею на сцене, явили собой образец, на котором учились многие поколения лучших исполнителей классического танца.Галина Уланова
«Гений русского балета, его неуловимая душа, его «вдохновенная поэзия», «муза русского балета», «Рафаэль с душой Микеланджело», «Мона Лиза с ее загадочной, но очень женской полуулыбкой», «обыкновенная богиня», – вот только малая часть тех слов, которыми великие современники и коллеги Улановой пытались передать колдовскую магию ее искусства.
Отдавая дань памяти великой балерины, 21 марта в театре Новая Опера Фонд Галины Улановой проводит вечер «Галине Улановой посвящается». В вечере примут участие звезды балета – Нина Ананиашвили, Анна Антоничева, Дмитрий Белоголовцев, Надежда Грачева, Дмитрий Гуданов, Марк Перетокин, Татьяна Предеина, Марианна Рыжкина, Эгле Шпокайте (Литва), Геннадий Янин, «Имперский балет» под руководством Гедеминаса Таранды и балет Литовской Национальной оперы, а также хор и оркестр театра Новая опера. В программе вечера фрагменты балетов из репертуара Галины Улановой «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Жизель», «Ромео и Джульетта».
Гостей и зрителей, среди которых будет много коллег, учеников и друзей Галины Сергеевны Улановой, ждут необычное сценографическое решение и режиссура вечера. 
Фонд Улановой, который основной целью своей деятельности ставит увековечивание памяти легендарной балерины и сохранения ее духовного и творческого наследия, распространил призыв к ведущим российским и зарубежным театрам и балетным коллективам почтить в этот день память Галины Улановой.
Фонд также обращается ко всем российским средствам массовой информации присоединиться к этой акции, посвятив Галине Сергеевне и ее творчеству свои материалы.
Фонд Галины Улановой
Живая Душа
В самом начале весны обезоруживающе трогательная и честная премия «Душа танца» в девятый раз вручалась избранникам Терпсихоры. Церемония награждения Призом «Душа танца», который учрежден журналом «Балет» и Министерством культуры России, всегда отмечена особой атмосферой. Команда организаторов, возглавляемая неутомимым главным редактором журнала Валерией Уральской, и ведущий Сергей Коробков придумывает неизменно яркое, живописное и стильное зрелище. Нынешнее, девятое торжество, приглашало в особый – сказочный мир, от которого нас так настойчиво отучают реалии жизни. Как пленительно звучит: «королева», «маг», «звезда», «рыцарь»… 
Действительно, в «Душе танца» есть какая-то удивительная притягательность. И для публики, которая до отказа заполнила зрительный зал Музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко, и для артистов, с радостью выходящих на подмостки, и для критиков, которые не пропускают ни одного «душевного вечера», как бы они к нему ни относились…
Игорь Самарин вручает приз Нине Ананиашвили

НОМИНАЦИЯ «КОРОЛЕВА ТАНЦА» – НИНА АНАНИАШВИЛИ
 «Я себя считаю, прежде всего, классической балериной и уверена, что для любого театра необходим репертуар Петипа. Но каждая балерина должна встретиться и со своим хореографом, который ставит на нее и для нее. Без этого невозможно развитие мышления, формирующего личность… 
Не знаю, сколько мне еще  дано танцевать, но ощущаю, что у меня сейчас очень интересный период. Есть знания, опыт общения с разными школами и стилями, есть свобода своего выбора». 

Нина Ананиашвили
НОМИНАЦИЯ «ЗВЕЗДА ТАНЦА» – НАТАЛИЯ ЛЕДОВСКАЯ
 «Наталья Ледовская – одна из самых ярких балерин своего поколения. Сейчас она находится в той счастливой точке, золотом сечении своего творческого пути, когда приобретенное мастерство и артистизм придают ее ролям блеск и законченность, а молодость – легкость и полет.
…В ее строгом, благородном танце, в сдержанных жестах рук, удивительной красоты и гибкости, в тающих, словно растворенных в воздухе, движениях воплощается мечта о недостижимой любви. Лирический образ, созданный балериной в самых разных ролях, всегда трогает и вызывает восхищение. Наталья Ледовская – одна из тех мастеров, чье творчество отмечено светом одухотворенности». 
Наталия Колесова
НОМИНАЦИЯ «ЗВЕЗДА ТАНЦА» – СЕРГЕЙ ФИЛИН
«Несмотря на то, что в театре мы невольно соперничаем во многих партиях, в некоторых спектаклях я веду роли вторых персонажей, когда Сергей – первых… Такие спектакли танцевать особенно интересно, но и сложно: рядом с Сергеем понимаешь, насколько высок заданный им уровень исполнения…
Когда танцовщик приходит утром в класс, никому неважно – кто он, что он, какие у него звания, награды, сколько у него, скажем, поклонниц… Важно другое: чтобы с рядом с ним занимались артисты, которые стимулируют его стремление к совершенствованию. Так и я – каждый раз, когда прихожу на общий класс и вижу в рабочей обстановке Сергея Филина, чувствую, что надо стараться, ибо мой коллега настолько профессионален и настолько трудолюбив, что хочется на него равняться…»
Николай Цискаридзе
НОМИНАЦИЯ «АКТЕР» – ИЛЗЕ ЛИЕПА
Илзе Лиепа и Николай Цискаридзе

 
 

«По своему опыту я поняла, что актерство – ненасытно. Оно постоянно требует пищи. Когда владеешь профессией, то хочется ею заниматься. Мы идем по жизни, и чем больше переживаем, страдаем, познаем, теряем, тем богаче наш потенциал, из которого складываются сценические образы. 
Ведь актер на сцене всегда говорит о себе, «достает» из своей жизненной копилки собственные мысли. Даже, если воплощаемые характеры весьма далеки от его человеческой сути. В любом спектакле есть моменты, которые звучат не от лица героинь, а от меня самой. Ими я особенно дорожу».

Илзе Лиепа
НОМИНАЦИЯ «ВОСХОДЯЩАЯ ЗВЕЗДА» – АНАСТАСИЯ ГОРЯЧЕВА
«О ее первых шагах на сцене Большого театра можно сказать словами авторов старинных рецензий: звезда Анастасии Горячевой восходит стремительно. …Талант Анастасии Горячевой многолик. И в каждой партии он предстает перед нами в ярком и неординарном облике. 
У Насти есть одна постоянная величина – редкостное трудолюбие. Она занимается с большой самоотдачей и в классе, и на репетициях, тщательно готовясь к любому спектаклю, к любой встрече со зрителями. Потому и нет в ее выступлениях сырых и недоработанных мест, все выверено, отделано, продумано…»
Галина Иноземцева
НОМИНАЦИЯ «РЫЦАРЬ БАЛЕТА» – НАТАЛИЯ САДОВСКАЯ
Наталия Михайловна Садовская представляет балетную ветвь знаменитой акте рской династии Садовских. Почти четверть века танцевала она на сцене Большого театра, после – окончила театроведческий факультет ГИТИСа имени А.В. Луначарского (ныне РАТИ) и, как ей казалось, должна была посвятить себя балетной критике. Так поначалу и получилось. Но… заболела она идеей – объединять для творческого общения деятелей балета всей страны, популяризировать их мастерство, показывать их достижения. В 1976 году оперно-балетный фестиваль по инициативе Садовской впервые был проведен в Минске. С тех пор объем просветительской деятельности Наталии Садовской обрел поистине всероссийские масштабы. Если подсчитать, сколько фестивальных программ сформировала она, то цифра получится весьма внушительная: десять фестивалей «Болдинская осень» в Нижнем Новгороде, шестнадцать – имени – Нуреева в Казани, пять в Якутии, три в Сыктывкаре…»

НОМИНАЦИЯ «РЫЦАРЬ БАЛЕТА» – МАХАР ВАЗИЕВ
«Творческая жизнь Махарбека Вазиева связана с Мариинским театром. В его танцевальном репертуаре были все ведущие классические партии, право на которые заслужили немногие. Его танцовщик обрел благодаря прекрасной школе, полученной в стенах училища имени А.Я.Вагановой, красивой, мужественной внешности, выразительной пластике. Он был не просто прекрасным партнером, который знал технику дуэтного танца и блестяще ею владел, но, прежде всего, понимал смысл подлинного дуэта – искусство «подать» балерину при неброском достоинстве партнера. На таких профессионалах держится репертуар театра. 
…Для Махара Вазиева творческая зрелость совпала с переходом с исполнительской стези на организационно-творческую. В лице Вазиева балетный театр обрел современно мыслящего и действенного лидера, доказавшего свое право возглавлять крупнейшую в мире балетную труппу».

Валерия Уральская
НОМИНАЦИЯ «РЫЦАРЬ БАЛЕТА» – ГЕННАДИЙ АЛЬБЕРТ 
«Уже десять лет блистательный премьер Саратовского театра Геннадий Альберт является директором Театра балета Бориса Эйфмана. Обязанности многосложные – контракты, гастроли, постановочная часть, экономические вопросы и прочее. Однако добрую половину времени директор проводит в репетиционных залах, занимаясь любимым делом – работой с актерами. На службу Альберт приходит первым, а возвращается домой заполночь. Существовать в таком немыслимом режиме и почитать это за норму
Ольга Розанова
НОМИНАЦИЯ «УЧИТЕЛЬ» – МАРИНА КОНДРАТЬЕВА
 «…Конечно, я чувствую ответственность и сама перед собой и перед своими учениками. Я должна сделать так, чтобы они были лучше всех, чтобы прекрасно танцевали, чтобы почувствовали, поняли роль и не просто правильно ее провели, но донесли до зрителя, не оставив его равнодушным и спокойным. Я должна гарантировать и себе и им, что они смогут на спектакле быть и пластически, и хореографически выразительными. Значит, надо постоянно думать. Думать и слышать музыку! И я, конечно, не хочу, чтобы обо мне сказали, что Кондратьева не сумела сделать со своей ученицей такую-то роль. Всегда присутствую на их спектаклях и всегда волнуюсь не меньше их. Иногда смотрю и думаю: «Господи, помог бы мне!..» Ничего подобного я не переживала, когда танцевала на сцене сама. Судьба оказалась ко мне замечательно благосклонной – я продолжаю жить сценой! И в зеркалах репетиционного зала я различаю не одни только тени прошлого, там – сверкает будущее!»
Марина Кондратьева
НОМИНАЦИЯ «УЧИТЕЛЬ» – ЛЮДМИЛА САХАРОВА
«…Куда ни глянь – кругом сахаровские ученицы. И в России, и в ближнем зарубежье, и в дальних краях, и в разных поколениях. Они занимают неизменно почетное служебное положение – все на балеринских ролях. Все блестяще выучены, и театрам не приходится их переучивать. Все снабжены профессиональным умением и технической оснасткой на долгую театральную карьеру. Все обучены думать, а не механически вторить педагогу!.. Именно так, наверное, понимает Людмила Павловна хорошее старое словосочетание, редко сейчас произносимое: честь профессии.
…Проходят долгие годы – бурные и тихие, тяжкие и светлые. Приумножается число знаменитостей – воспитанников Пермского училища. А Людмила Павловна остается все  той же – строгой, требовательной, преданной своим ученицам, лишь искусства ради. Человек на своем месте занимается творчеством…»
Елена Луцкая
НОМИНАЦИЯ «МЭТР ТАНЦА» – АННА РЕДЕЛЬ 
Дуэт Анна Редель и Михаил Хрусталев – легенда нашей хореографии. О том, как они танцевали, как выглядели на концертной эстраде, очевидцы рассказывают, как о чем-то феерическом. Тоненькая, изящная и гибкая, как змейка, Анна Редель восхищала великолепным мастерством классической балерины и безграничным бесстрашием в акробатических поддержках, которыми славился ансамбль. Танцовщики поражали и блистательной техникой, и сюжетным многообразием номеров, и теми эмоциональными токами, что охватывали зрительный зал от их искусства. «…Они всегда шли вперед. И в сценическом творчестве, и в своей педагогической практике. Судьба подарила мне великое счастье – быть человечески и творчески связанным с Анной Редель и Михаилом Хрусталевым вым. И сейчас я всегда стараюсь познакомить Анну Аркадьевну со своими работами и услышать ее мнение: оно для меня – главный приговор».
Валентин Манохин
НОМИНАЦИЯ «МЭТР ТАНЦА» – НИНЕЛЬ ЮЛТЫЕВА
Нинель Даутовну Юлтыеву по праву называют легендой татарской балетной сцены. С ее  именем связаны многие этапные события национального хореографического искусства. «Чуть ли не всю сценическую жизнь сопровождали балерину образы чистой, воздушной и поэтичной Одетты и коварной Одиллии из жемчужины русской балетной классики «Лебединого озера»… На хореографическом небосклоне республики имя Нинель Юлтыевой, замечательной балерины, педагога, художественного руководителя Казанского хореографического училища, светится звездой первой величины, заслуги ее огромны. Долголетним и истовым служением музе танца Терпсихоре оно судьбою вписано золотыми буквами в историю татарского искусства». И, добавим, не только татарского, но и всей России.
Владимир Горшков
НОМИНАЦИЯ «МАГ ТАНЦА» – ЕВГЕНИЙ ПАНФИЛОВ
«Свой последний год Евгений Панфилов прожил в Немыслимом темпе. Словно предчувствуя, что отпущенное ему время на исходе, он торопился, как никогда, он спешил поведать все, что не успел прежде. Его фантастическая продуктивность, и раньше поражавшая всех и всегда, возросла неимоверно, и за последний сезон 2001-2002 г.г.он выпустил 8 (!) премьер. При ближайшем рассмотрении потрясает не только количество, но разноликость и контрасты этих работ, конфликтные сопряжения диаметрально противоположных состояний, эмоций, мыслей и чувств.
…Евгений Панфилов, достигший признания и известности, был художником, позволяющим говорить о разном и на разных языках, но главные его спектакли, балеты-притчи о жизни и смерти мы будем разгадывать еще очень долго».
Лариса Барыкина
Из «Тюряги на  «Пикник»
Накануне торжественной церемонии вручения Приза журнала «Балет» «Душа танца» в Государственном театре Наций состоялась московская премьера спектакля Евгения Панфилова «Тюряга» в исполнении его труппы «Бойцовский клуб». Евгений Панфилов стал лауреатом «Души танца» за 2002 год в номинации «Маг танца», и вечер в театре Наций был посвящен его памяти. «Тюряга», одна из последних работ Панфилова, – спектакль мрачный и безнадежный. На сцене – люди, задыхающиеся в замкнутом пространстве, стремящиеся поделить на части и без того маленькую территорию.
 В спектакле нет сюжета, он состоит из разрозненных картинок, эпизодов, фрагментов: то под мощное звучание Rammstein ребята в красных тюремных робах идут «стенка на стенку», то, разбившись на пары, танцуют друг с другом под завывания вьюги, то образуют цепь, звенья которой распадаются и соединяются вновь, то, совершая однообразные движения, сбиваются в кучу, уподобляясь этакой «человек-массе» Ортеги-и-Гассета. В танце двух протагонистов, разъезжающих на перевернутых кроватях, – и элементы восточных единоборств, и пластический рестлинг, в процессе которого обитатели «тюряги» пытаются выяснить, кто из них главный. «Тюряга» – балет не о тюрьме, а о человеческой разобщенности, беспомощности, одиночестве. К каждому из эпизодов можно подобрать свое название: «Агрессия», «Отчаяние», «Размышление», «Надежда».
 В «тюремном» мире Панфилова есть место и мужской дружбе, и иронии, и стриптизу в стиле бежаровского «Болеро» под блюзовую песенку «She loves me». Но общее настроение спектакля – пессимистическое. Человек может дергать за поводок, падать и отжиматься, скучать на скамейке, – но из «тюряги» ему не выбраться.
По Панфилову «Тюряга» – это весь мир, в котором если хочешь дотянуться до невидимого зарешеченного окошка, надо встать на плечи другого, поработить себе подобного. Обитатели «тюряги» живут по своим законам, непонятным и пугающим. В таком мире неизбежна скука и жестокость, насилие и смерть. В конце спектакля кровати на колесиках превращаются в клетку, мальчишки затягивают петлю на шее друг у друга, а один из них нелепо умирает,
прорывая головой картонку. «Тюряга» Евгения Панфилова – тяжелый спектакль о том, какими беззащитными могут быть сильные люди, стесненные во времени, в пространстве, в проявлении обычных человеческих чувств.
Во втором отделении со спектаклем «Пикник» выступил театр современного танца «Крепостной балет» (художественный руководитель – Елена Прокопьева). После концептуальной «Тюряги» «Пикник» (сценография Игоря Кормышева, костюмы Ольги Александровой) показался легковесным, но очень грациозным, остроумным и забавным спектаклем. 
Восемь артистов на фоне садовой скамейки и маленького столика под музыку Hugues le Bars и дуэта «Белый острог» выясняют отношения, ссорятся, мирятся, танцуют вальс, а потом расстилают на воображаемой травке скатерть, достают корзиночки с едой и напитками, усаживаются и замирают в импрессионистическом стоп-кадре, напоминающим «Завтрак на траве» Клода Моне.
Для каждого героя – своя танцевальная и актерская характеристика: кокетка в розовом платье с книжкой и кружевным зонтиком трагично влюбляется в экстравагантного байронического юношу с рыжей шевелюрой; довольная собой и жизнью «купчиха» в сером кринолине пьет шампанское и сводит с ума своего кавалера, субтильный мальчик с отчаянным криком «Девушка!» бегает по сцене, стараясь привлечь внимание вышеупомянутой кокетки, две резвые девчушки-подружки активно утешают незадачливых влюбленных и мило флиртуют с друзьями.
Солисты «Крепостного балета» обладают и отличной танцевальной техникой и артистизмом, без которого этот «игровой» спектакль потерял бы львиную долю своего очарования.
Изобретательная и органичная хореография Елены Прокопьевой в сочетании с удачными режиссерскими наблюдениями и замечательным исполнением делают «Пикник» спектаклем откровенно несерьезным, немного сентиментальным и в то же время динамичным и современным.
Ирина Удянская
Чолпонбек
Его знала и любила вся страна, а страну узнавал миp благодаря его таланту, блистательному артистическому и щедрому человеческому дару. В самом его имени была заложена некая символика, ибо Чолпонбек Базарбаев действительно стал звездой в искусстве балета, той его знаковой фигурой, которая неизменно будет просчитываться среди имен тех, кто внес весомый вклад в становление, укрепление и утверждение национальной школы балета.
Чолпонбек Базарбаев непоправимо рано покинул земной мир, и этот безвременный уход всегда будет ощущаться теми, кто знал его как человека, как общественного деятеля, кто почитал его уникальный талант, общался с ним. Все мы могли всецело оценить замечательные человеческие качества Базарбаева, который еще при жизни стал символом творческого созидания, умел излучать счастье для окружающих его людей. 
Вечер памяти, приуроченный к 54-й годовщине со дня рождения артиста, открыл генеральный директор Национального театра оперы и балета имени А.Малдыбаева, народный артист республики Е. Исмаилов. На торжестве присутствовала первая леди страны – профессор М. Акаева. Собравшиеся почтили память Чолпонбека Базарбаева минутой молчания. 
На вечер памяти прибыло много гостей из Казахстана, с мастерами балетного искусства которого Ч. Базарбаева связывали крепкие узы сценической и человеческой дружбы. Свои стихи, посвященные киргизскому танцовщику, прочел Чрезвычайный и Полномочный Посол Казахстана в Киргизской Республике, народный поэт Казахстана и Кыргызстана М.Шаханов. 
Киргизские и казахстанские мастера балета и совсем еще юные ученики Бишкекского и Алматинского хореографических училищ показали замечательные номера из мирового и национального балетного репертуара. 
Александра Шепеленко 
г.Бишкек
Тысяча ночей и один вечер
В первые дни весны в Большом театре звучала музыка Фикрета Амирова. Восьмидесятилетнему юбилею композитора был посвящен спектакль «Тысяча и одна ночь» Азербайджанского театра оперы и балета имени М.Ахундова. Во времена недалекой еще истории этот спектакль, отмеченный Государственной премией СССР, победоносно шествовал по сценам советской страны. 
Рассказывает хореограф-постановщик балета Наиля Назирова: «В труппе азербайджанского театра меня не было более десяти лет. Я уехала и не принимала никакого участия в подготовке к гастролям спектакля «Тысяча и одна ночь», поставленного мною в 1979 году. То, что музыка Фикрета Амирова звучит в Москве, для меня очень важно. И я прилетела из Парижа специально: очень хотелось присутствовать на торжестве, посвященном этому талантливому композитору. Конечно, я не ожидала увидеть спектакль в первозданном варианте, - слишком долго балет «существовал» без постановщика и хореографа. Правда, то, что я увидела, несколько превзошло мои ожидания.
Конечно, показ в столице большого балетного спектакля – это возрождение традиций (когда-то в Москве традиционно проходили дни национальных культур). И азербайджанский народ, как и вся страна, гордился плеядой композиторов, которая выросла на почве многонационально культуры. Среди них – Кара Караев и Фикрет Амиров. Сейчас же поднять большое балетное полотно очень сложно в силу материальных причин. И потому, сам факт, что в юбилейные дни музыка Фикрета Амирова вновь звучит в Большом театре России, делает меня счастливой…»
Беседовала Яна Старикович
Битва под cтук кокосов
Труппа «Насаокпоэра», состоящая из танцовщиков-бразильцев, постоянно живущих во Франции, завершила свои выступления по городам России
Отражение древних ритуалов и культов можно усмотреть практически в каждой народной пляске. Отчаянный выброс энергии, повторения ритмических фигур и комбинаций движений, заколдованная геометрия кругов и диагоналей, азартные споры дуэтов-поединков отгоняли злых и привлекали добрых духов. О сакральной сути танца напоминает и бразильская капоэра. Хотя этот экзотический вид хореографии возник не в далекие первобытные времена, а всего лишь в позапрошлом веке.
На бразильских плантациях гнули спины чернокожие рабы. Лютые эксплуататоры притесняли их изо всех сил, чего только не запрещали. Об оружии и занятиях боевыми искусствами и вовсе не могло быть никакой речи. В короткие минуты отдыха несчастные труженики вспоминали родные африканские пляски, протест и неистовство превратили их в танец-борьбу. Борьбу изощренную и рискованную. 
Противники яростно бьются, не разу не дотронувшись друг друга. Расстояние сокращается до опасной близости, скорость движений доходит до бешенства. Малейший удар, – и кто-то из борцов упадет замертво. Но все целы и невредимы. Хищные нападения и хитрые уловки доведены до совершенства. Вот что такое настоящая бразильская экзотика. 
Сегодня уже не верится, что истоки этого искусства – в отчаянии. Битвы капоэристов смотрятся оптимистично и победительно. Капоэра чрезвычайно популярна в Бразилии. Ее танцуют на улицах и площадях, ей обучают в специальных академиях – с каждым годом их становится все больше. Интересуется капоэрой и индустрия развлечений. Эффектные танцевальные бои, да еще с этническим уклоном – настоящая находка для шоу-бизнеса. Подобное развлекательное представление показывала в Москве группа «Насаокапоэра». Большинство ее участников – бразильцы, постоянно живущие во Франции. Судя по всему, капоэра постепенно завоевывает мир. 
Дивиться есть чему. Музыканты выбивают дикие ритмы, звучит утробное горловое пение. В минуты, свободные от «ратных дел», поют и танцоры-капоэристы. И даже играют на диковинных инструментах. К длинному бамбуку приделаны пустой раскрашенный кокос и струна. Тонкая палочка вызывает звуки – уханья, свисты и звяканья, а особый камушек настраивает их на нужную высоту. Бразильские «скрипки» называются «беримбо», борцы обязаны изготавливать их сами. Без этого инструмента нет ни зрелища, ни капоэры. Музыка подзадоривает, ускоряет темпы. Из круга выходят новые и новые пары лихачей. Летают в смертельных сальто, подпрыгивают на руках и даже на локтях. Но головокружительные сольные трюки – ничто по сравнению с дуэтами-поединками. Перед битвой капоэристов пасуют даже орлы, дерущиеся на лету. В мельтешении разнообразных кружений, махов ног и рук, в вкрадчивых приседаниях и взрывных прыжках – стройная логика и серьезная философия. Один из мэтров капоэры назвал как-то множество определений этого искусства. Среди них были и «хорошо дозированная храбрость», и «удовольствие элегантности», и «уважение твоего страха». «Насаокапоэра» с лихвой подтвердила, что все так и есть. 
Елена Губайдуллина
Без имитации

Размышления о судьбе провинциального балета
В Йошкар-Оле, в Государственном театре оперы и балета им. Э. Сапаева, прошел третий международный фестиваль «Зимние вечера». Инициатором его проведения стал Константин Иванов. Четыре года назад судьба привела солиста Большого театра в город, где он родился и где прошло его раннее детство. Он стал руководителем балетной труппы. Опыт сотрудничества оказался настолько удачным, что два года спустя, в 2001 году, Президент Республики Марий Эл Л.И. Маркелов предложил Константину Иванову занять пост художественного руководителя театра.
С тех пор жизнь артиста, решившего возглавить театр в провинции, протекает и в столице, и в «глубинке». На сегодняшний день это явление не исключительное. Тем интереснее наблюдать за опытом руководства столичного артиста балетным театром в провинции. Скорее всего, результаты будут зависеть не только от состояния балетной труппы, уровня поддержки со стороны учредителей и общества, интереса к этому жанру зрителей, но и от личности самого руководителя.
В любом случае, будет возникать невольный вопрос: зачем это нужно самому руководителю? И ответом станет та конкретная программа, которая реализуется в провинциальном театре.
Оставим в стороне самую банальную из причин – возможность дополнительного заработка, и попробуем понять, что, кроме денег, может дать провинциальный театр заезжему гостю? Ибо, что может дать театру сам столичный художник, – более понятно: иной уровень профессиональных требований к труппе, способность осуществить или перенести на местную сцену новую постановку, наконец, свое имя – то есть свой имидж. При всем разнообразии конкретных обстоятельств, одна проблема будет неименна: насколько готов столичный гость погрузиться в проблемы местного театра, требующие неотлучной повседневной работы? Сколько месяцев, декад или дней в году готов он отдать «прекрасному далеко»?
Творческие планы Константина Иванова были определены многими обстоятельствами. Во-первых, Йошкар-Ола – его родина. Здесь он – свой. Понятно, что ему легче, чем «пришлому», получить финансовый и моральный кредит доверия, найти спонсоров, среди  которых сегодня и «Маригражданстрой», и «Внешторгбанк».
Известно, что в иерархии потребностей личности, стремящейся к самореализации, важное место, иногда осознанно, а иногда и подспудно, занимает необходимость быть полезным своему народу. Чьи студенческие головы не были обуреваемы мыслями о собственном театре, где можно осуществить свои замыслы? У одних этот искус проходит, для других становится смыслом жизни. Те, кто находит в себе силы, терпение и уверенность неотступно идти к намеченной цели, становятся лидерами.
Свой собственный спектакль в своем театре... Редким счастливцам удается сделать это еще до собственного тридцатилетия. Руководителем балетной труппы Государственного театра оперы и балета Республики Марий Эл Константин Иванов стал в двадцать четыре года. В двадцать шесть лет был назначен художественным руководителем всего театра. Молодость, талант и работоспособность дают ему возможность быть первым танцовщиком возглавляемой труппы. Сам по себе этот факт уже подразумевает определенный уровень соответствия труппы премьеру. Она должна выглядеть достойно не только в своей республике, но и на гастролях за рубежом, куда театр начал выезжать при поддержке Правительства республики и спонсоров. Высокая зрительская оценка театра становится личным интересом руководителя, заставляет его «выкладываться» для достижения максимального творческого результата.
Этим во многом объясняются успехи, достигнутые в самые короткие сроки в формировании творческого состава труппы. За последние два года в театр пришли десять выпускников Казанского училища. Из Сыктывкара переехала в Йошкар-Олу и стала ведущей солисткой талантливая балерина Мария Выдрина. За два года поставлены: «Тщетная предосторожность», «Щелкунчик» и премьера 2003 года – «Лебединое озеро».
При колледже искусств открыта балетная школа. Директор Экспериментальной школы искусств Г.Е. Пейсахович предоставил прекрасно оснащенную базу, уникальные условия, включая лечебно-оздоровительный комплекс. Ученики уже танцуют в спектаклях театра и готовят свой репертуар. 
В фестивалях, которые Константин Иванов проводит уже третий раз, принимают участие солисты Большого театра. Они не только танцуют в спектаклях, но и репетируют. Для танцовщиков Марий Эл – это замечательные мастер-классы. 
...В один из дней фестиваля сценическая репетиция «Дон Кихота» начинается вяло. Спектакль не новый, но очень любимый местными зрителями. Тон задает приглашенная солистка Большого театра Анастасия Меськова. Восемнадцатилетняя балерина репетирует азартно, на пределе своих незаурядных технических возможностей. В Большом театре она пока Китри не танцует, и сцена Марий Эл дает ей реальную возможность творческого роста. Уже через несколько минут артисты «заражаются» самоотдачей и увлеченностью солистки. Прогон обретает второе дыхание. 
В театральной практике главным оказываются не декларации и обоснования планов руководителем, а то, как реализуется сложнейший процесс его взаимодействия с теми, от кого, в первую очередь, зависит воплощение замыслов. Известно, что прямые, четко сформулированные указания могут дать неплохие результаты. Неформальный задушевный тон общения, нередко свойственный театральным работникам, создает особое энергетическое поле, подсознательно стимулирует выполнение работы. Более того, там, где не хватает истинной доброжелательности, ее обязательно имитируют – ведь артист натура тонкая и обидчивая.
Ныне теоретики менеджмента на Западе обнаружили, что лучшие сотрудники (кстати, почти во всех областях) не те, кто способны точно выполнить поставленную перед ними задачу, а те, кто может инициировать и реализовывать новое качество исполнения. Это «новое качество» в сценическом искусстве – неповторимость художественного образа, остающегося в памяти зрителя как собственный духовно-эстетический опыт артиста. Лучший результат получается не только благодаря технической безупречности исполнения, но тогда, когда оно окрашивается «богатством индивидуальности». В балетной профессии это особенно заметно. Как бы ни были техничны танцовщики, их выступление может превратиться в набор трюков, рекорд спортивного характера, не имеющий отношения к духовным открытиям – главной ценности любого произведения искусства.
В повседневной работе руководитель, в чью задачу входит и мобилизация внутренних душевных сил работников, обязан умело сочетать формальные и неформальные отношения. Театральные будни – это постоянное столкновение явных и скрытых амбиций, претензий каждого на собственную исключительность. Все это входит в профессиональный набор качеств. Театральная мораль – особого рода, и далеко не всегда она совпадает с общечеловеческими нормами. Известно, что артист может легко поделиться последним рублем, но тот же артист не подарит свое место на сцене. Амбициозность и умение терпеть и смиряться не просто сосуществуют, но соединяются в неделимое целое, необходимое для выживания в театре.
В Марийском театре оперы и балета, на сегодняшний день, наиболее серьезные проблемы связаны с состоянием оркестра. Их решение руководитель театра видит не только в приглашении музыкантов из других регионов. В перспективе – создание Республиканского симфонического оркестра (его никогда не было в Марий Эл), музыканты которого могли бы совмещать работу в театре с собственной концертной деятельностью. Иного способа привлечения, а, главное, удерживания серьезных музыкантов в республике просто нет. В театр приглашен новый главный дирижер – Станислав Дьяченко. Теперь он совмещает работу в Йошкар-Оле с преподаванием в Московской консерватории и руководством Камерным оркестром. Он обладает уникальным педагогическим терпением и легкой иронией, направленной не на партнеров и соратников, а на ситуацию.
Пример одного из услышанных диалогов – с репетиции «Дон Кихота». 
Иванов: «Почему здесь пауза? Ее быть не должно».
Концертмейстер: «Мы в этом месте переворачиваем ноты». 
Иванов (изумленно): «Как, по-вашему, балерина с партнером будут висеть в воздухе, пока вы переворачиваете страницу?»
Концертмейстер: «Иначе, мы не успеваем перевернуть...»
Дьяченко мягко перебивает, взглядом собирая оркестр и делая пометку в партитуре: «Итак. Репетируем переворачивание нот». Конфликт исчерпан. Напряжение в оркестровой яме спадает. Работа продолжается.
После репетиции Иванов говорит сочувственно о музыкантах: «Они не виноваты. Они просто так привыкли играть и им трудно сразу перестроиться». Готовность слышать и не отвергать притязания артистов, а вместе с ними искать конструктивные способы разрешения , на мой взгляд  одна из важных лидерских черт Константина Иванова. 
Вечером на «Дон-Кихоте» восторженные зрители неистовствуют. А. Меськовой  и ее партнеру, приглашенному солисту Айдару Ахметову приходится бисировать па-де-де.  Но оркестр в состоянии начать повтор лишь с определенного места (видимо переворачивание нот нужно репетировать по всем страницам), и балерина вынуждена бисировать тройные и четверные фуэте, впрочем, блистательно с ними справляясь.  Бушуют   в восторге не только зрители, свое восхищение высказывает ей  по окончании спектакля лично президент республики. 
Как все это напоминает  театральные рассказы  сто и двухсотлетней давности!  Театр все тот же. Живет и умирает и вновь возрождается. И сохраняет он в своей памяти не новые или  старые формы менеджмента, а мгновения одухотворенной  самоотверженности, рождающиеся на сцене.  Из них и складывается  история Балета. Во все времена.

Юлия Большакова.
Слово о Мастере
Геннадий Ледях
Геннадий Васильевич Ледях прошел в искусстве большой и плодотворный путь. Более пятидесяти лет он отдал сцене. Замечательный танцовщик, балетмейстер и педагог. Заслуженный артист России, один из самых ярких солистов Большого театра в 50-60 годы, он стал художественным руководителем Школы классического танца и создал первый в  стране «Детский балетный театр». 
Воспитанный выдающимся танцовщиком и педагогом Асафом Мессерером, Геннадий Ледях органично вошел в труппу Большого театра. Своим ярким исполнительским искусством он внес новую неповторимую краску в палитру мужского классического танца. Сделать это было нелегко – ведь тогда на сцене Большого танцевали такие талантливейшие мастера как Владимир Преображенский, Юрий Кондратов, Николай Фадеечев, Юрий Жданов и многие другие. Ледях сумел завоевать негласный титул одного из лучших кавалеров, настоящего мастера дуэтного танца. Многие звезды Большого театра, Кировского балета и театров республик танцевали с великолепным московским солистом; помнятся его дуэты с Ириной Тихомирновой, Нинель Кургапкиной, Раисой Стручковой, Мариной Кондратьевой, Маликой Сабировой, Ириной Джандиери. 
Довелось Геннадию Ледяху выступать в дуэте и с величайшими балеринами XX века: Галиной Улановой, Ольгой Лепешинской, Екатериной Максимовой. Не случайно на Первом международном конкурсе артистов балета в Москве Ледях был отмечен специальным дипломом как лучший партнер.
Геннадий Ледях был ярким, темпераментным и очень обаятельным артистом. Случилось так, что специально для него не было поставлено оригинальных балетов (впрочем, на сию долю могли бы пожаловаться многие его выдающиеся коллеги). Тем сложнее для танцовщика было создать неповторимые образы в давно идущих спектаклях, найти собственные трактовки. Артист запомнился в ролях Филиппа («Пламя Парижа»), Базиля («Дон Кихот»), Евгения  («Медный всадник»), Принца («Золушка»), Фрондосо («Лауренсия»), Меджнуна («Лейли и Мейджнун»), Вакха («Вальпургиева ночь»), Океана («Конек-Горбунок»). Танцовщик свободно владел разными хореографическими стилями, обладал уникальной музыкальностью. Ледяха высоко ценил как талантливого исполнителя Касьян Голейзовский. Их связывала творческая дружба.
Особая страница в сценической биографии артиста – его концертная деятельность: немало классических и современных номеров он танцевал в 32 странах мира. Архив Геннадия Васильевича хранит огромное количество восторженных рецензий на разных языках. Он был одним из тех, кто завоевывал и утверждал поистине большую славу Большому балету.
После завершения танцевальной карьеры Ледях был направлен Министерством культуры в Варшаву, где стал художественным руководителей балетной школы при Большом театре. Там с учащимися школы он поставил спектакль «Щелкунчик», который стал крупнейшим событием польской культурной жизни Польши; о спектакле писали все газеты, им восторгались зрители разных поколений. Труд Геннадия Ледяха был отмечен орденом «За заслуги перед польской культурой». Вслед за Варшавой – новое направление, в Колумбию. Там, в далеком городе Баготе, Геннадий Васильевич создал балетную школу.
Работа с детьми, его любовь к ученикам, талант воспитателя определили дальнейший путь: в 1982 году в Москве, на базе Дворца культуры ЗИЛ, он создает свою школу и детский балетный театр. Основной целью мастера становится профессиональное обучение воспитанников и формирование детского театрального репертуара. Ныне школа прошла лицензирование и государственную аккредитацию. Это пока единственное в Москве альтернативное учебное заведение, выпускники которого получают дипломы государственного образца. Уже первый выпуск 1996 года принес серьезный успех: молодые артисты были приглашены в театр «Кремлевский балет», в Музыкальный театр имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко и другие престижные коллективы столицы и России. 
Год за годом школа выпускает молодых артистов. Ученики Ледяха танцуют во многих труппах. А в Детском театре балета продолжается работа над новыми постановками на музыку Чайковского и Баха, Россини и Моцарта, Штрауса и Римского-Корсакова. Но по-прежнему любимым спектаклем-талисманом остается «Щелкунчик». Это – истинная школа для юных исполнителей: в спектакле танцуют дети от шести до шестнадцати лет. Каждый участник имеет возможность проявить свой талант и сделать первые шаги в искусстве. Замысел Геннадия Ледяха – превратить танец в «душой исполненный полет». А это, по твердому убеждению Мастера, значит – научить детей одухотворенности, привить им понимание пластики и музыки. Вырастить своих воспитанников думающими, ищущими и пытливыми – в этом смысл всей жизни Геннадия Ледяха, который превращает свою творчесво в непрерывный поиск
Сусанна Звягина, 
з.а.РФ, Председатель Совета 
ветеранов Большого театра
.
Мадам Лионелли

К 300-летию Санкт-Петербурга хореограф Кирилл Симонов, балерина Ирма Ниорадзе и дизайнер Игорь Чапурин объединились для работы над новым сценическим проектом – балетом «Мадам Лионели» на музыку Джона Адамса и Гэвина Брайерса. 
Гэвин Брайерс – продолжатель идей отцов-основателей минимализма. Джон Адамс вошел в мир музыки гипнотическими, минималистскими пассажами. Но сегодня он считает, что его музыка не поддается однозначному стилевому определению. Создатели балета «Мадам Лионели» представляют свой взгляд на жизнь современной деловой женщины, стремясь показать ее многогранность, силу и тонкость, передать стремительный жизненный ритм и неподвластную времени чувственность. Хрупкую ауру вечной женственности по замыслу создателей подчеркнут антураж, костюмы и, прежде всего, пластика движений, свободных и не скованных условностями.
Главную партию исполнит ведущая солистка Мариинского театра оперы и балета, заслуженная артистка России Ирма Ниорадзе. Она снискала любовь зрителей многих стран, объездив с труппой театра почти весь мир. Благодарная публика приветствует аплодисментами ее темпераментную Китри из «Дон-Кихота», безупречен редкий артистизм Ирмы Ниорадзе в роли Одетты-Одиллии в «Лебедином озере», а ее величественная легкость в «Драгоценностях» Баланчина оттеняется впечатляющим виртуозным блеском. Многогранному таланту балерины подвластны самые разные жанры и стили. «Я давно думала о постановке, где балерина может наиболее полно выразить свою индивидуальность, работать без ограничений и традиционных штампов», – говорит Ирма Ниорадзе.
Хореограф постановки – Кирилл Симонов, автор балета «Sonata» на музыку Скарлатти и создатель танцев в опере Пуленка «Человеческий голос» в Новосибирском театре оперы и балета. На сцене Мариинского театра – «Щелкунчик» (декорации, костюмы и постановка Михаила Шемякина), балет «Come in», танцы в опере «Отелло». Его постановки часто становились событиями: Симонов – дважды лауреат международных конкурсов «Ваганова prix» и «Визит в Петербург».
Молодой хореограф тонко чувствует психологическое состояние своих героев и находит пластическое выражение их характерам. Еще одним подтверждением тому может стать работа над постановкой балета «Мадам Лионели». Художник по костюмам и автор декораций к новому балету – дизайнер Игорь Чапурин. В последнее время он все больше привлекает внимание театральной общественности своими работами для сцены. Им созданы костюмы к спектаклям в постановке Олега Меньшикова «Горе от ума» и «Кухня».
Последний театральный проект Чапурина – это создание костюмов к спектаклю «...Прощай, Марлен, Здравствуй…» в постановке Геннадия Шапошникова на сцене Театра Эстрады. Для этого спектакля было создано 120 уникальных костюмов, некоторые из которых были восстановлены по оригинальным эскизам эпохи 40-х. «Я давний поклонник балета и то, что мне представилась возможность участия в создании спектакля с новыми ритмами, новым духом, балета очень современных эмоций, – для меня является большим сбытием», – говорит И.Чапурин. Особое внимание при создании костюмов для постановки «Мадам Лионели» художник уделил пластической партитуре балета, органическому соединению танца и костюма. Эта работа позволила Чапурину выйти за привычные рамки: создание не только костюмов, но и декораций – это возможность сформировать единое визуальное пространство.
Премьера балета «Мадам Лионели» состоится в Александринском театре в Санкт-Петербурге 18 апреля. Затем – московская премьера в Московском международном доме музыки и, наконец, мировая – на одной из самых знаменитых сцен мира – Альберт-Холл в Лондоне (7 и 8 мая).

Соб.корр.
Ускользающая красота
 Наталии Ледовской, чей талант способен ярко выразить себя в любом классическом спектакле, до недавнего времени не приходилось выступать на сцене Музыкального театра им. К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко в главных партиях лишь двух классических балетов – «Лебедином озере» и «Шопениане». Что касается шедевра Владимира Бурмейстера, то, надеюсь, балерине еще выпадет шанс выступить в роли Одетты-Одиллии. А вот своему выходу в фокинской «Шопениане» Наталия Ледовская обязана, почти как в старинном водевиле, стечению обстоятельств и болезни основной исполнительницы. 
Ледовской доводилось танцевать главную балеринскую партию в «Шопениане» лишь на гастролях. Иногда она выступала в вальсе «Бриллиант». И вот случайно, с одной репетиции, она вышла, наконец, в главной роли. Оба номера – и вальс «Бриллиант» и дивный «Седьмой вальс» – дают исполнительнице возможность проявить разнообразные, порой противоположные эмоции.
В вальсе «Бриллиант» изумительный парящий прыжок Наталии Ледовской смотрелся особенно волнующе: строгий и летящий силуэт, невесомое приземление, – все было словно из мира тех фокинских сильфид, которые появились на балетной сцене как дань и преклонение перед тающим, ускользающим искусством прошлого.
Лиризм и мастерское воплощение тончайших нюансов хореографии окрасили «Седьмой вальс» в нежные и сумеречные тона. В дуэте с Виктором Диком балерина парила, буквально растворяясь в воздухе. Вся линия арабеска, начиная от хрупко воздетых рук до робко выглядывающего из-под пены медленно струящихся юбок носка пуанта, казалось, олицетворяла неземную, но светлую печаль. Интересно, что лучезарный и сильный темперамент артистки словно смирился в этом спектакле перед неспешной и почти ритуальной красотой хореографического рисунка. «Шопениана», в этот вечер исполнявшаяся вместе с «Па-де-катром» Антона Долина и «Призрачным балом» Дмитрия Брянцева, заставила публику благодаря исполнителям по-новому увидеть раритет: оказалось, что старинный балет не только удивительно красив, но и по-прежнему актуален, 
Наталья Колесова
Баланчин на родине Дягилева
В Пермском театре оперы и балета вслед за «Кончерто барокко», «Сомнамбулой» и «Доницетти-вариациями» появился еще один спектакль Джорджа Баланчина. «Ballett Imperial» на музыку П.И.Чайковского (1941) – первый из ностальгической серии балетов хореографа, к которой принадлежат и более известные «Тема с вариациями», «Симфония До мажор», «Бриллианты». 

Проект «Хореография Дж.Баланчина на пермской сцене» (автор Олег Левенков) осуществляется уже несколько лет и пополняет репертуар театра эксклюзивными для России названиями. Пермская труппа – единственная из периферийных сотрудничает с Фондом Баланчина, предпочитая воспроизводить классика XX века не кустарным способом, а как указано в программке, – «в соответствии со стандартами стиля и техники Дж.Баланчина». Мария Калегари и Барт Кук, бывшие солисты Нью-Йорк сити балле, уже не в первый раз работают с пермскими артистами, и, судя по всему, довольны результатами.
Антураж первого появления «Ballett Imperial» в России был довольно необычным. Из зала Пермского оперного, всегда совмещавшего собственно театральный зал и отсутствующий в городе концертный, сняли пять рядов партера и установили рояль. Приглашенная звезда, молодой, талантливый и «раскрученный» Денис Мацуев исполнял Второй фортепианный концерт Чайковского, на музыку которого и сочинен Баланчиным балет, а пермская труппа в это время воскрешала образы ушедшей эпохи: изысканное великолепие императорских балов и хореографии Мариуса Петипа, которыми наполнен «Ballett Imperial». Двойной эффект спектакля-концерта, перекрестная энергетика сцены, оркестра и рояля, взаимодействие и переплетение музыки и танца впечатляли и были вполне в духе Баланчина, самого музыкального из всех хореографов XX столетия.
 В Пермском театре не стали воспроизводить идеи Мстислава Добужинского: в свое время это был спектакль-воспоминание о величии императорского балета, об архитектурной красоте и стройности Петербурга со всеми приметами большого стиля. Пермский Баланчин решен в строгой неоклассике (художник Елена Соловьева): прозрачно-голубой задник вместо ростральных колонн и сфинксов, нет ни пышных балеринских пачек, ни колетов, имитирующих парадные мундиры. Такое решение, конечно, более соответствует эволюции Баланчина, с годами все сильнее выявлявшего универсальную абстрактность классического танца. Но это же и предполагает  безупречность танцевальной техники. А виртуозный, динамически концентрированный стиль хореографии Баланчина пока что больше удается солистам (особо выделю маститых Елену Кулагину, Виталия Полещука и дебютантку Ярославу Араптанову), нежели кордебалету, партия коего сложна, и тут есть над чем работать. Идеальная синхронность, правильная акцентировка и качество движений, темп при отсутствии суетливости – задачи на будущее. Приподнято и более слаженно против обычного звучавший оркестр театра (дирижер Валерий Платонов) мог бы и еще более соответствовать масштабу события, найдись в его арсенале музыканты для достойного исполнения всех оркестровых соло в партитуре Чайковского, пока на уровне – только первая скрипка Бориса Гамуса.
Пермский оперный вслед за главными театрами стремится иметь в репертуаре хореографию Баланчина, причем не слепо копировать столичные афиши, а выбирать названия, подходящие именно пермской балетной школе. И это можно расценивать как самый верный вариант решения проблемы репертуара в академических театрах. В ситуации острого кризиса хореографических идей (да и просто балетмейстеров и новых спектаклей!) Россия обязана пройти основную программу балета XX века, в которой Баланчин является главным звеном, – тезис не нов, но по-прежнему актуален. 
Главная премьера текущего сезона стала еще и прелюдией к новому международному фестивалю, который планируется провести в мае. Пермь – город, где проши детские и юношеские годы С.П.Дягилева, и масштабы замышляемой пермяками акции вполне соответствуют амбициям их знаменитого земляка. Фестиваль называется «Дягилевские сезоны», а его структурная модель, подобно деятельности великого импресарио XX века, объединит разные творческие сферы: оперные и балетные премьеры (в том числе и мировые!), гастрольные выступления звезд и концерты новой музыки, художественные выставки в Пермской галерее, научный симпозиум и практические конференции, конкурс продюсеров и вечера высокой моды. Художественный идеолог фестиваля Георгий Исаакян впервые в России готовит к постановке «Лолиту» Родиона Щедрина, пермский балет – «Спящую красавицу» и «Мастера и Маргариту», спектакли дягилевского репертуара предстанут в трактовке Мариинского балета, а вечер Памяти Евгения Панфилова соберет лучшие труппы российского contemporary dance. 
Лариса Барыкина 
Грезы на озере лебедей

Государственный театр оперы и балета Удмуртии познакомил зрителей с новой версией балета «Лебединое озеро» в постановке московского хореографа Бориса Мягкова. Подобно многим предшественникам, Мягков стремился предложить зрителям свое пластическое «видение» музыки Чайковского, оставив в неприкосновенности канонические тексты Льва Иванова второго акта. Переработке подверглись другие сцены. Балетмейстерский замысел потребовал серьезной музыкальной редактуры. К примеру, в па-де-труа первого акта после адажио Принц вместо привычной вариации исполняет лирический монолог Andante sostenuto. Открыты и другие страницы партитуры, обычно купируемые. Добавим к сказанному, что взяв за основу темпы записи музыки в исполнении Геннадия Рождественского, хореограф добился от дирижера спектакля Сергея Разенкова – того, что действие в его постановке движется стремительно, особенно в третьей картине. 
Спектакль начинается со звуками интродукции: маленькому мальчику во сне является прекрасная девушка-лебедь. Возможно, кто-то увидит в этом образе самого Чайковского, кто-то узнает в мальчике, который появляется и в финале спектакля, ангела любви и чистоты, а кто-то потеряется в догадках, отождествив малыша с самим повзрослевшим Зифридом...
В первой картине придворные юноши развлекаются с приведенными в замок пейзанками, Принц общается со своей приятельницей Эльзой (имя которой подбиралось по фонетическому созвучию с руническими Зигфрид, Изольда, Розалинда, Розамунда), всматривается в лица поселянок, танцует со сверстницами, кажется, единственными аристократками на этом празднестве. При этом  не внемлет Наставнику, игнорирует Камердинера, пьет из грубой пивной кружки и, словно школяр или вагант, вскакивает на активно опустошаемую всеми пузатую бочку. 
Зигфриду хореограф подарил развернутые танцевальные эпизоды – и в первом, и во втором, и в третьем актах, а на четвертый приходятся чуть ли не кульминационные soli. Максим Мельников в целом неплохо справился со сложной партией – в меру своих физических данных, эмоциональности и актерского опыта. Солист Большого театра Андрей Евдокимов – участник второго спектакля – продемонстрировал техническую свободу, академическую чистоту формы и актерскую искренность. Танцовщик дебютировал в партии Зигфрида не без личных сомнений, но доказал свое безусловное право на эту роль. Вместе с тем всем участникам спектакля необходимо помнить, что данная постановка не считает достаточным использование традиционных клише актерской выразительности балетной сцены: здесь требуется и возможна ювелирная проработка нюансов психологических состояний.
В первый вечер партию Одетты-Одиллии исполнила местная солистка Наталья Коробейникова. Удлиненные линии мягких певучих рук, владение виртуозной техникой, осмысленный танец – вот что явила артистка в этой роли. Партнершей А.Евдокимова стала его коллега по Большому театру Анна Иванова, которая подготовила роль с Людмилой Семенякой. Вопрос о правомерности выбора исполнительницы, возвращающий героиню балета к фактурам миниатюрных артисток типа Лиан Дейде, был решен Анной вполне убедительно. Особенно ценным оказалось то, что техничная в танце Иванова смогла раскрыть перед зрителем противоположные грани характера – предстала коварной обольстительницей Одиллией и трепетной, трогательно смятенной Одеттой, особенно в последних эпизодах балета.
Своя доля успеха выпала Сергею Татаркину – загадочному Злому Гению, Михаилу Галиеву – весельчаку Шуту, Елены Осиповой – драматично отвергнутой Принцем Эльзе, образ которой ассоциировался для балетмейстера-постановщика с Матильдой Кшесинской, оставленной Цесаревичем у ступеней трона.
Поднять такой спектакль как «Лебединой озеро» – тем более в Ижевске, сложно. Возможности труппы ограничены. По словам художественного руководителя, в дефиците, как ни странно, артистки кордебалета. Они работают усердно, но иных подводит «школа» или природные данные. Быть может, все это объясняет то, что pas de bourree лебедей не хватало бисерности и их скольжение по глади озера выглядело не слишком гладко. Так что есть над чем продолжить работу педагогам Фариду и Евгении Гильфаровым, Марине Кузнецовой, Татьяне Михайловой, Ивану Токмакову.
Оформил спектакль Владислав Анисенков, создавший удивительно особую атмосферу действия. Кулисы в виде готических сводов и портала, где резные узоры воспроизвела крученая тесьма; иллюзорность происходящего в прологе, где спящего мальчика «ласкают» низкие облака, напоминают летящий по ветру лебединый пух; скалы волшебного озера-миража высятся словно взъерошенное оперение хищной птицы... Удачны костюмы: выполненные из легких тканей, они смотрятся богато и сохраняют приметы эпохи. Из стиля выбиваются лишь вишневый колет Зигфрида, который больше подошел бы импозантному французу Дезире, да романтическая рубашка, в которой (скинув, по замыслу авторов, расшитый бархат) Принц оказывается на мрачном озере.
Финал спектакля трагичен. Гибнут Одетта и Зигфрид, расстается с жизнью Злой гений. Тают грезы мальчика: в небесных высях соединяются души влюбленных.

Александр Максов
главная