Разделы:
Адрес редакции:
129110, Москва, Проспект Мира, дом52/1. 
Тел./факс: (095) 688-2401 
Тел.: (095) 684-3351
This site best viewed with I.E. 5.0 or higher, 1024/768 resolution.
(C) Copyright by Ballet Magazine, 2000. 
Design by L.i.D.

 Линия - 2006
 ЛИНИЯ. Журнал «БАЛЕТ» в газетном формате.
№1 /2006
 XX век - счастливое время мировой культуры: в жизнь миллионов людей вошло удивительное явление -
танцы Игоря Моисеева. Они обладают магическим свойством: вселяют надежды, заряжают энергией и оптимизмом, заставляют молодеть сердца и души. Они принесли мировую славу их создателю, хотя сам он, нетерпя славословия, свою удивительную жизнь объясняет философией Лао-Цзы:
"Созидай, но не обладай, трудись, не ища выгоды, добивайся цели, но не гордись".

Век танца

Моисеев любит повторять, что господин его жизни -Случай. Когда отец н всякий случай посоветовал: "Кем бы ты ' ни был в жизни, грация и выносливость тебе всегда пригодятся" -- Моисеев поступил в студию бывшей балерины Большого театра Веры Мосоловой, а вскоре и в балетную школу при Большом театре. С тех пор, вспоминает Моисеев, "я понял, что попал в свою стихию".
Случай и тут не оставлял его. Став солистом Большого театра, он восстал против балетной рутины, потребовал дать дорогу молодым - и был отстранен от работы. Но в театре не заладился балет "Футболист" (1930) —и Моисеев блистательно завершил работу, став в 24 года самым молодым балетмейстером в театре. Потом был балет "Саламбо" (1932), "Три толстяка" (1935) - яркие спектакли, о которых старожилы Большого вспоминают до сих пор. Моисеев, уже очарованный народным танцем, выдвигает неожиданное предложение: создать в театре студию народного танца. Примадонны шипели: "Да он сделает из Большого пивную!" И тогда
Моисеев пишет письмо в правительство с предложением создать ансамбль народного танца. Так в 1937 году родился первый в мире профессиональный ансамбль народного танца.
"Ни опыта, ни традиций - передо мной стояли одни вопросы" -вспоминает Игорь Александрович первые дни ансамбля. Шаг за шагом, творчески редактируя образцы танцевального фольклора, а затем, методом художественного обобщения создавая новые танцы, он формирует собственный художественный метод интерпретации фольклора, призвав в союзники профессиональное хореографическое, драматическое и музыкальное искусство. Так возник первый в мире Театр народного танца, который вот уже семь десятилетий питает непосредственный фольклорный задор. Он легко и естественно вдохнул жизнь в строгие формы сценического танца, наполнил их неожиданной и всегда желанной импровизацией.
Ансамбль не завоевал бы мирового признания, не имея собственной школы. И Моисеев создает ее - в военном 1943 году, едва ансамбль вернулся из гастролей по Сибири, Монголии и Дальнему Востоку. Моисеевская школа танца - уникальное явление мировой хореографии. Моисеевцы -- профессионалы высокого класса, соавторы хореографа, в совершенстве владеют всеми приемами танца, обладают высокой техникой танца, умеют перевоплощаться и танцевать в образе. Воспитав труппу высочайшего уровня, Моисеев смог пополнить репертуар сложными сценическими формами: кроме сотен миниатюр, картин и сюит танцев им поставлено восемь одноактных балетов.
Зарубежные гастроли ансамбля принесли Игорю Моисееву не только мировую славу, но и изменили историю: первые гастроли в 1955 году в Париже сорвали пресловутый железный занавес, в США в 1958 году - растопили лед холодной войны. Народы многих стран справедливо называют Моисеева Послом мира, и многочисленные зарубежные награды хореографа- яркая иллюстрация его великой миссии добра и дружбы.
В кратких заметках не рассказать обо всех ярких событиях творчества Игоря Моисеева. Это созданный им балет "Спартак" на муз. А. Хачатуряна в Большом театре (1958), Хореографический ансамбль "Молодой балет" (1967), почетное членство в зарубежных Академиях, творческие консультации, в результате которых рождались ансамбли народного танца в разных странах...
21 января в Кремлевском Дворце в честь Игоря Моисеева состоится грандиозный гала-концерт. Чествовать юбиляра будут артисты Государственного академического ансамбля народного танца, ведущие деятели культуры России, зарубежные звезды -солисты труппы Мориса Бежара, солисты балета Венской оперы, театра Ла Скала, Балета Алвина Эйли.
Этот великолепный праздник не состоялся бы без помощи давнего друга ансамбля и горячего поклонника таланта Игоря Моисеева —Алишера Бурхановича Усманова. Возглавляемая им благотворительная организация "Искусство и спорт" выделила средства, необходимые для достойного проведения концерта.

Лидия Шамина
Вера в любовь
Все юбилейные вечера похожи друг на друга, но у каждого юбиляра своя история. И чем больше красующаяся на сценическом заднике или хотя бы в программке цифра -тем богаче эта история.
Историю хореографа Николая Николаевича Боярчикова рассказывали на посвященном его 70-летию праздничном вечере, что прошел в Театре оперы и балета имени Мусоргского в Петербурге. Между традиционных словесных и балетных строк поздравлений, привычных аплодисментов и цветов читались страницы богатой и насыщенной творческой жизни народного артиста России, хореографа, главного балетмейстера театра, профессора консерватории.
В первом отделении история слагалась о творческом прошлом Мастера. Спроецированные на сцену фотографии, кадры кинохроники... И артист балета Боярчиков в ослепительно белом костюме танцует, притягивая внимание своим ослепительным обаянием. Страница далекая, но оттого не менее яркая: за годы своей исполнительской карьеры в Малом оперном театре Боярчиков создал множество ярких образов в ролях характерного и деми-характерного репертуара - Сильвио в "Мнимом женихе", Марцелина в "Тщетной предосторожности" ... Сегодня некоторые из его ролей танцуют молодые. Как? Сравнить смогли те, кто видел Боярчикова в "Барышне и Хулигане".
И снова кинохроника: Боярчиков уже сочиняет, репетирует
свои творения с артистами. А на сцене - фрагменты из его
постановок: "Макбет", "Царь Борис", "Фауст", "Петербург",
"Щелкунчик". Между напряженными дуэтами и изысканными ансамблями -созерцательные монологи Юродивого  из  балета  "Царь Борис", который в спектакле был беспощадным наблюдателем страданий и деяний и одновременно выразителем гласа судьбы и подлинной правды в суете интриг. На вечере в мозаике образов он словно напоминал об истинной глубине постановок Боярчикова: они всегда интересны зрителю необычностью взгляда, новизной прочтения, они не броски, не картинны, берут не яркостью и простотой формы, а подкупают глубиной размышлений, духовного поиска.
Во втором отделении угол зрения сместился к настоящему: была показана премьера балета Боярчикова "Ромео и Джульетта" на музыку увертюры-фантазии П.И.Чайковского. Как логическое продолжение истории о творческих и духовных поисках прозвучало это небольшое сочинение: в нем удивительно сочетались мудрость хореографа и человеческая мудрость автора. Нет никаких литературных уточнений, Монтекки и Капулетти представлены как ничем не отличающиеся, симметричные в пластике противопоставленные друг другу группы. Боярчиков не пересказывает Шекспира. Зачем? Всем известны перипетии сюжета, Боярчиков предлагает обобщение. В финале после всех страданий и борьбы его героев соединяет патер Лоренцо. Лаконизм выразительных средств и великая вера в любовь.
В третьем отделении звучали приветственные телеграммы, добрые слова, поздравления от друзей, коллег. И вновь открывались страницы пути. Номером в исполнении учащихся Академии русского балета имени Вагановой напомнили, что с выхода из стен тогда Ленинградского хореографического училища в далеком 1954 году началась самостоятельная профессиональная жизнь юбиляра. Коллеги, вспоминая совместную работу, пели песни и читали стихи в честь юбиляра, а студенты возглавляемой Боярчиковым кафедры хореографии петербургской консерватории, не скупясь на юмор и выдумку, в лицах разыграли эпизоды театральной жизни своего Учителя. О встречах, удачах и находках Боярчикова они рассказали в шутку. Всерьез же почитать об этом можно в недавно вышедшей первой книге о творчестве хореографа, написанной петербургским театроведом Татьяной Кузовлевой. Почитать и - уверена - увлечься чтением, задумавшись, как бывает: 70 - много это или мало?
Ольга Макарова

Петров день

Представителя одной из самых знаменитых балетных династий России Андрея Петрова отличает неуемная творческая энергия и дух исканий. Солист Большого театра, репертуаре которого включал около пяти десятков балетных партий, он в 1977 году оканчивает балетмейстерский факультет ГИТИСа и уже в качестве хореографа ставит на сцене Большого театра оригинальные спектакли: "Калина красная", "Деревянный принц", "Рыцарь печального образа", "Эскизы".
Свежими хореографическими идеями отличаются и постановки Андрея Петрова в Софийской Народной Опере (Болгария)," театрах Челябинска, Уфы и других российских городов, танцевальные сцены в спектаклях многих драматических театров, в кино и на телевидении. В разные годы и на разных сценах Андрей Петров выступает соавтором великих мастеров: режиссеров Ю. Любимова и Б. Покровского, хореографа Ю. Григоровича, композиторов А. Шнитке и Г. Гладкова, дирижеров Г. Рождественского и П. Овсянникова, художников: В. Левенталя и М. Соколовой, С. Бенедиктова и Б. Мессерера, В. и Р. Вольских, В. Арефьева и 0. Полянской.
Пятнадцать лет назад А. Петров открывает театр "Кремлевский балет", чья марка к концу двадцатого века получает всемирную известность и признание международного балетного сообщества. Уникальное лицо театра определяет репертуарные взгляды художественного руководителя: Петров неизменно стремится к органичному сочетанию традиций балетной классики и острой современности - как в формировании драматургической концепции спектакля, так и в области пластического, ритмического, сценографического его построения. Труппа театра одинаково свободно танцует балетную классику, новаторские балеты А. Петрова
 ("Руслан и Людмила", "Наполеон Бонапарт", "Невский проспект". "Зевс", "Том Сойер", "Фантастическая симфония"), современные хореографические версии классических музыкальных произведений ("Щелкунчик", "Ромео и Джульетта", "Золушка"). Стильность спектаклей, высокий строй хореографических мыслей, постановочная изысканность, богатство цвета, фактуры, сценических форм и выразительных средств - неотъемлемая часть спектаклей театра.
Свидетельством признания Андрея Петрова как мастера хореографии высочайшего класса среди профессионалов явилось его членство в жюри различных балетных состязаний: конкурса "Майя", Приза "Бенуа де ля дане", VIII Международного Московского балетного конкурса, на IX Московском конкурсе Андрей Петров возглавил его оргкомитет.
Профессор Московской государственной Академии хореографии А. Петров -председатель Комиссии по балету ВТО-СТД России, вдохновитель и художественный руководитель Международных фестивалей; он первым инициировал прямыетрансляции балетных спектаклей и знаменательных кремлевских вечеров в Международной сети "Интернет", на телеканале "Культура" создал цикл авторских программ "Энциклопедия танца", ставший победителем по рейтингу зрительского внимания. Мастер-классы Андрея Петрова востребованы в балетных школах многих стран - Мексики, Австрии, Израиля, Китая, Греции, Кипра, Испании, Италии, Иордании...
Редакция журнала "Балет" присоединяется к многочисленным поздравлениям в адрес Андрея Борисовича, отметившего накакнуне Нового года свой 60-летний юбилей. Счастья, здоровья, новых -   творческих свершении!
 

Квартирный вопрос

Премьерный спектакль мюзикла Валерии Бесединой по пьесе-притче В.Стольникова "Свободная клетка", показанный выпускниками Театральной академии Санкт-Петербурга, был тепло встречен московской публикой. Отечественные мюзиклы - редкое явление на столичной сцене, наши театры предпочитают "играть французскую жизнь", как говорила тетушка Алиса Витальевна из фильма "Покровские ворота".
Беседина - композитор поэтического вдохновения, тонко чувствующий мир звуков и ритм эпохи. Любители балета знают ее по спектаклю "Суламифь", поставленному в 1997 году Музыкальным театром им. К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко. Уже тогда критики отмечали "высокий профессионализм композитора, вдохновенность музыки, яркость образных контрастов и мастерское соединение современного музыкального языка с традициями романтического балета". Все это присутствует и в музыке "Свободной клетки", которая была написана практически одновременно с "Суламифью", она - мелодична, образна, танцевальна, с большим тематическим диапазоном - от хрустальной лирики до острого памфлета, что дает пищу фантазии режиссера и хореографа.
Действие мюзикла разворачивается в зоопарке, где царит один закон: высшие существа - звери, низшие - люди. Правит звериным сообществом Лев ("И пока сижу я на троне, будет счастливо всё зверьё"), который распределяет клетки - пресловутый "квартирный вопрос" портит жизнь не только людям: за освободившуюся клетку идет нешуточная борьба, в которой все средства хороши. Однако привычный распорядок зоопарка нарушает появление Человека, который призывает заменить закон джунглей законом нежности и любви. Но благими намерениями, как известно, дорога в ад вымощена. Став царем зверей, Человек обрел и худшие звериные повадки.
Периодически люди тешат себя странной иллюзией, будто слабость способна выступать как сила. Возможно, что так иногда и бывает, но только в тех случаях, когда слабость притворяется слабостью, а сила притворяется силой. Против сил зла могут выступать только объединенные силы Добра. Человечество из "вселенского добросердечия" часто забывает об этом, и история о "свободной клетке" в талантливых, запоминающихся шлягерах напоминает ему о его заблуждениях.
Притчевый ход пьесы, да и само место действия - зоопарк дают неограниченные возможности для фантазии и изобретательности постановщиков в создании современного мюзикла, в котором пластика наравне с музыкой'может и должна играть определяющую роль.
Хореография А.Сафронова достаточно убедительна в массовых сценах, где она не просто следует за музыкой, а вырастает из вслушивания в нее, но почти полностью отсутствует в пластической характеристике образов "зверей", что усугубляет и без того достаточно статичное режиссерское решение (С.Мозговой). Некоторые мизансцены напоминают эстрадные выступления певцов. 
И все-таки благодаря прекрасной музыке В.Бесединой,таланту и энергетике молодых исполнителей, которые поют как в опере, танцуют как в балете и играют как на драматической сцене, спектакль получился. Это пока еще не мюзикл в европейском понимании жанра, но все основания (тема, либретто, музыка) для того чтобы им стать имеются.
Современный мюзикл - не только искусство, но и мощная индустрия, типа "Really Useful Group" Э.Уэббера или продюсерской компании Камерона Макинтоша, которой у нас в стране пока еще нет даже в зачаточном состоянии. За постановку мюзиклов берутся отдельные энтузиасты, которые пытаются эксплуатировать раскрученные на Западе проекты без учета нашей аудитории - ее интересов, музыкальных привязанностей и подготовленности. Получается, в лучшем случае, музыкальный спектакль.
Заинтересованности в целенаправленной работе с отечественным мюзиклами пока не наблюдается, хотя опыт в поджанре мюзикла - рок-опере у нас имеется довольно неплохой (рок-оперы А.Рыбникова "Звезда и смерть Хоакина Мурьеты" и ""Юнона" и "Авось""). Пора бы уже нашим шоу-менам озаботиться и проблемой отечественного мюзикла во всем его многообразии тем и решений. Тем более что талантливые либреттисты, композиторы и исполнители у нас, как видим, есть и поддерживать их - задача первостепенная. Тут особенно приятно назвать имя человека, продолжателя традиций истинного меценатства, генерального директора "Корпорации информационных технологий" Дмитрия Апыхтина, благодаря которому московские зрители в театре им. Вл.Маяковского (Филиал на Сретенке) смогли увидеть необычный яркий и умный спектакль.

Валерий Модестов

Барышня и хулиганка

Настоящим балетным событием ушедшего года стал дебют солистки Большого театра Натальи Осиповой в "Дон Кихоте". Яркая молодая балерина привлекла к себе внимание московских театралов на недавнем Международном конкурсе артистов балета, где уверенно лидировала до третьего тура, но потом загадочным образом отстала от коллег и, собрав на церемонии множество "периферийных" призов, официально оказалась лишь на третьем месте, пропустив вперед аккуратную Анастасию Матвиенко, добротную, но не слишком интересную Наталью Домрачеву и интересную, но лишенную балеринского масштаба Екатерину Крысанову. Через некоторое время конкурсные страсти поутихли, а репертуар Натальи Осиповой стал довольно быстро пополняться новыми партиями. Балерина удачно выступила в третьей части "Симфонии до-мажор" (причем главной трудностью для нее оказалась не сложнейшая техника и пресловутые баланчинские темпы, а постоянно развязывающаяся ленточка на пуантах (!)), исполнила Легкомыслие в премьерном мясинском "Предзнаменовании".

Китри - свою первую большую роль - Осипова танцевала с  
блеском и невиданной раскрепощенностью, демонстрируя феноменальную технику и скорость (вспомнить хотя бы повисающие над сценой сиссоны и лихо скрученное тройное фуэте в па-де-де), высокий парящий прыжок (диагональ в сцене "Сна" напоминала полет не сильфиды, но сверхмощного "Боинга"), а главное - настоящий ненаигранный темперамент, актерский дар, азарт и удовольствие от танца. В исполнении молодой балерины отсутствовал традиционный "дебютный" недостаток - страх сцены, скованность, сосредоточенность исключительно на технике. Китри Осиповой с первых же тактов антре отважно ринулась в омут игры и хореографии, любви и танца, заражая и заряжая партнера Андрея Болотина, солистов и кордебалет своей энергией. "Дон Кихот" с ее участием, казалось, и пролетел в два раза быстрее, чем обычный рядовой спектакль: ярко, динамично, как-то по-новому весело и насыщенно. Возможно, Осипова чуть переигрывала в первом акте, изображая сильные эмоции простой испанской девушки, а во втором - в вариации Дульцинеи - нарушала чинную музыкальную кантилену нетерпеливыми выскакиваниями в аттитюд, но в целом ее исполнение отличалось удивительной экспрессией и точностью. Наталья Осипова - балерина отнюдь не лирического склада, она бравурна, эффектна, но иногда и резка, дисгармонична; ей могут оказаться противопоказанными ажурные хореографические узоры "Спящей красавицы" или изысканная романтика "Сильфиды", но Китри - это ее роль, ее маленькое артистическое чудо. В Большом театре много хороших, техничных исполнительниц этой партии, но Осипова - одна из немногих, кто обладает еще и харизмой, артистическим обаянием, смелостью и соревновательным задором первооткрывателя.
Ирина Удянская


Открытое письмо в редакцию журнала "БАЛЕТ"
31.10.05 Главному редактору журнала "Балет" госпоже В.И. Уральской
Уважаемая г-жа Уральская!
Я с большим уважением отношусь к Вашему журналу и буду очень благодарна, если Вы найдете возможность опубликовать это письмо в одном из номеров.
В последнее время в Российской прессе появились высказывания о том, что я, якобы, наложила запрет на восстановление хореографических произведений моего покойного мужа, хореографа Леонида Якобсона. Это ошибочное и несправедливое мнение я считаю необходимым исправить.
По моему глубокому убеждению, репертуар, созданный балетмейстером Якобсоном, является уникальным творческим достижением хореографии XX века. То, что этот репертуар практически не показывается зрителю,-трагическая потеря для балета и для культуры в целом. И я всегда делала все, что в моих силах, чтобы этот репертуар увидел зритель. Только, к сожалению, на этом пути существует много трудностей, и чисто профессиональных, и организационных, и конъюнктурных.
Мне принадлежат по закону авторские права на произведения Леонида Якобсона. В Управлении Авторских Прав г.Санкт-Петербурга я оставила письменное распоряжение, которое не только никому не запрещает восстанавливать хореографию Якобсона, но имеет целью поощрить эту работу. Не только коллектив, созданный Якобсоном как знаменитые "Хореографические Миниатюры" и теперь носящий его имя ("Санкт-Петербургский государственный академический театр балета им. Леонида Якобсона"), но также и большинство Российских театров могут восстанавливать произведения моего мужа без уплаты авторского гонорара.
Конечно, это не избавляет театр, пожелавший осуществить такую работу (за исключением театра им. Леонида Якобсона), от необходимости заключить со мной договор на постановку. Это и общепринятая практика, и этого требует закон. Цель заключения такого договора - в сохранении подлинности и качества произведений. Это включает весь спектакль в целом: хореографический текст, стиль, композицию номеров, оформление и т.д.
Здесь необходимо сказать об особенностях хореографии Якобсона. Я ассистировала Якобсону во время постановок, репетировала репертуар под его руководством. Я затем восстанавливала отдельные произведения в разных театрах мира, и я знаю, насколько это необыкновенно трудная работа. Дело тут и в необычности техники, и в непривычности координации, и в огромном количестве нюансов, от которых зависит само существование произведения. Иногда очень тонкая линия отделяет шедевр от пошлости. И, чтобы этого не произошло, хореографию Якобсона надо осваивать глубоко и профессионально ответственно.
Договор, который должен заключить со мной театр, решивший восстановить какие-либо произведения Якобсона, должен определять форму и степень моего сотрудничества с театром. Со своей стороны, я хочу посильно помочь в процессе восстановления, а также убедиться, что театр отведет достаточное время для репетиций, пригласит квалифицированных репетиторов, выделит необходимых артистов, хочу быть в курсе того, как подвигается репетиционный процесс. 
К сожалению, мне действительно пришлось наложить запрет на показ спектакля "Клоп", попытку восстановления которого предпринял Мариинский театр в сезоне 2002-2003 г.г. Причина была в том, что якобсоновская образность в этой работе превратилась в недопустимую вульгаризацию. Если бы театр оговорил со мной заранее те моменты, о которых я упоминала выше, то мне не пришлось бы, я уверена, возражать против показа спектакля. Наоборот, у меня появилась бы возможность содействовать качественному восстановлению хореографии. Но театр, приступая к работе, не уведомил меня об этом и ничего со мной не согласовал.
Необходимость такого внимательного подхода к соблюдению формальностей доказывает и неудачный опыт моего сотрудничества с Мариинским театром в начале 1990-х годов. Тогда был создан Фонд Леонида Якобсона, специально для содействия Мариинскому театру в постановке якобсоновского репертуара. И, хотя Фонд взял на себя и финансирование, и большую часть организационной работы, Мариинский не выделил ни нужного количества актеров, ни репетиционного времени, не поставил произведения Якобсона в план своих постановок и т.д. Тогда Фонду пришлось набирать артистов со стороны, их уровень не мог соответствовать требованиям репертуара, а от театра участвовали в работе лишь несколько человек, и то на добровольных началах. Сейчас нет смысла возвращаться к этому. Очень хотелось бы надеяться, что и Мариинский театр, где Якобсон проработал практически всю свою творческую жизнь и где создал шедевры, которые могли бы, как я убеждена, поднять репертуар театра на новую качественную высоту, а также другие балетные коллективы в России, все же будут обращаться к этому столь разнообразному, высоко художественному и совершенно уникальному репертуару. В первую очередь, это, конечно, касается коллектива балетного театра им. Леонида Якобсона. В этом моя самая большая заинтересованность, и этому я хочу способствовать.

С искренним уважением,
 Ирина Якобсон

Фантом Павловой

Владимир Спиваков продолжает оставаться единственным московским музыкантом, которому удается одинаково успешно сочетать творческие и коммерческие проекты - играть, что душе угодно, и приглашать знаменитостей на свой фестиваль. В этом году он не просто включил в программу фестиваля вечер балетной музыки, но даже решился аккомпанировать звездам балета со своим оркестром.
Звезды собрались настоящие - Ульяна Лопаткина, Игорь Зеленский, Николай Цискаридзе. Музыка исполнялась не проходная, не было никакой балетной чепухи, вроде шлягеров Пуни и Дриго. Хореография была предложена самая изысканная - Голейзовский, Баланчин, Ноймайер, Фокин. Все говорило о том, что концерт будет отменный и сможет посоперничать с фестивалем "В честь Плисецкой" (в Большом в тот же вечер шел фестивальный "Дон Кихот" с Марией Александровой в главной роли и Майей Михайловной в Царской ложе). Однако не случилось.
Мои претензии обращены к дирижеру и его оркестру. Не убеждена, что такой занятой человек как Спиваков имеет возможность ходить вечерами на балет, а по выходным смотреть балетное видео. Следовательно, его трактовки знаменитых партитур вроде "Аполлона Мусагета" Стравинского или "Ромео и Джульетты" Прокофьева смогут в лучшем случае выглядеть концертными, но никак не театральными. Если бы маэстро пересмотрел сцену балкона из "Ромео" хотя бы в эталонном исполнении Галины Улановой, то не стал бы так тянуть и не заставил бы хороших артистов - Светлану Лунь-кину и Андриана Фадеева смирять пыл в стремлении их героев друг к другу, едва не падать на полпути. А ведь только перед этим номером оркестр сыграл марш из прокофьевской оперы "Любовь ктрем апельсинам" стакой филигранной проработкой деталей, что казалось, что Прокофьев - это прямое попадание в тему.
Дальше Стравинский. Идея выноса балета из Мариинского театра на площадку Дома музыки ради включения в программу "Симфонических танцев XX века" изначально порочна. Для концертов - очень популярного жанра в советское время -создавались специальные номера, которые ничего не теряли, даже когда их исполняли на кузовах грузовиков. А когда хореограф рождение бога Аполлона окутывает сумерками, а игры бога с Музами освещает ярким солнцем, наверное, это важно. И Стравинский писал музыку не с закрытыми глазами - из-под величия мироздания выглядывала ирония. Никакой иронии Спиваков в балет не пустил, не посмотрел, что творят на сцене длинноногие Музы - и все смазалось. Игорь Зеленский-Аполлон не был в ударе в этот вечер, но балерины были полны сил и ждали только поощрения оркестра, но тщетно. Не удалось услышать ни одного специфического для этого балета акцента. Театр Баланчина рушился как карточный домик.
Особую тоску наводила сама сцена и архитектура зала, когда оркестранты и дирижер находятся в ногах у зрителей, а артисты выходят как бы из органа, кулисы как таковые отсутствуют. Свет вялый, линейный, нет ни рампы, ни софитов. Изменить ничего нельзя, говорят - "так построено". Так постоянно говорят, но до какой степени можно испытывать терпение зрителей?
Лишь одной Ульяне Лопаткиной ничего не может помешать.
Она - assoluta. Анна Павлова танцевала в цирке "Умирающего лебедя" и оставалась Павловой, а про цирк история давно забыла. У такой балерины как Лопаткина есть репертуар на все времена. В том числе и концертные номера. Один из них - "Павлова и Чекетти" - ей подарил Джон Ноймайер, сделав из проходного фрагмента своего "Щелкунчика" маленький спектакль для Ульяны. Она играет его в Москве примерно раз в пять лет. Когда-то в первый раз это была молоденькая Павлова, словно заново родившаяся в Петербурге, второй раз приехала Павлова-перфекционистка в блеске славы, а сегодня - другая тема у Лопаткиной - зимняя, как бы из "Щелкунчика". Розоватый свет, сиреневая накидка, тени на императорской пачке, загадочный взгляд блоковской Незнакомки.
Можно сказать, что неприспособленность зала к балетным программам даже подыграла символистской атмосфере. Кульминацией стали "Бриллианты", в которых Зеленский и Лопаткина не знают равных. Накануне Ульяна выступила с труппой Парижской Оперы в этом спектакле, и поездка добавила французской огранки ее бриллиантовой технике. Стоит отметить, что именно в этом балете, да еще в "Умирающем лебеде", Лопаткина последняя из могикан, кто поддерживает "миф о балерине", истаивающий во всем мире прямо на глазах. Я имею в виду соблюдение балеринской культуры, когда играет роль каждая мелочь - перья на пачке, поза, гармоничная с любого ракурса, контроль над эмоциями.
Так вот Лопаткину это все занимает не как каприз, а как обязательные требования искусства. Думаю, что коллекцию ее балетной одежды (пачек, прежде всего), если таковая вдруг будет собрана когда-то, можно будет рассматривать как коллекцию от кутюр в плане эволюции. Сказанное о Лопаткиной, тем не менее, не оправдывает неправильный выбор площадки для концерта.

Екатерина Беляева

Нина Ананиашвили: Грузия - прекрасное место для творчества и культуры

Уже третий сезон международная звезда балета Нина Ананиашвили руководит Государственным балетом Грузии. О своей новой деятельности недавняя прима Большого театра рассказала корреспонденту "Линии" Елене Губайдуллиной.

- Нина, Вы хорошо знали балетную труппу Тбилисского
театра и прежде. Какие были впечатления?
- Да, я много раз выступала с труппой в Тбилиси, брала ее с собой за рубеж - в Японию, США, Англию - хорошо узнала ее возможности, сильные и слабые стороны, достоинства и недостатки.  Основное впечатление? Труппа - молодая, жаждущая сделать что-то стоящее на своем веку, - могла сделать качественный рывок только при нормальном финансировании, четкой организации работы и общении с лучшими приглашенными педагогами. Когда Президент пообещал мне поддержку, я долго колебалась, но вконце-концов согласилась.
- В каком состоянии Вы нашли труппу, когда подписали контракт о художественном руководстве?
- Готовой работать 24 часа в сутки и учиться примерно столько же.
- В чем своеобразие Тбилисского балета?
- Это русский балет с грузинским акцентом. Подобное положение вещей надо всячески поощрять и сохранять, но было бы неплохо научиться говорить и на других языках.
- Что такое "грузинский акцент" в балете? Национально "окрашенные" движения? Особый темперамент? Что-то еще? Помогают ли эти особенности при исполнении, например, Баланчина? Привносят какие-то неожиданные краски? Или "грузинский акцент" в танце иногда мешает?
- Было бы забавно, если бы я со знанием дела стала рассуждать на подобные темы. Это вопросы из области балетоведения, науки смутной и явно неточной, к тому же требующей от человека таланта все определять словами.
А я - скромный практик. Если без шуток, то "грузинский акцент" в балете... Темперамент, да. Склонность к импровизации. Отстутствие страха перед авторитетами. Уверенность в себе. Любовь к крупным мазкам, нелюбовь к деталям. Очевидно, что "Дон Кихот" - в национальном характере, "Спящая красавица" -нет. Помогает ли "грузинский акцент" исполнению балетов, к примеру, Баланчина? Western Symphony и Donizetti помогает, Chaconne - мешает. Именно поэтому в труппе должны быть первоклассные педагоги. Между достоинствами и недостатками любого актера - очень тонкая грань, и для того чтобы ее не "перейти" и служит педагог.
- Кто занимается с танцовщиками?
- Педагоги балета Грузии - бывшие балерины и премьеры труппы - И. Джандиери, М. Алексидзе, С. Гочиашвили, Л. Митаишвили, Н. Магалашвили. Никого, по-моему, не забыла. Во многом мы должны быть им благодарны: театр сохранился, сохранились артисты. Приглашенные - звезды русского балета А. Фадеечев, Т. Терехова, С. Бережной, звезды NYCB Мария Калегари и Барт Кук, лучший характерный танцовщик английского балета Александр Грант. Они, думаю, не нуждаются в особых представлениях. Кроме того, с нами постоянно сотрудничают солистка Большого театра и уже замечательный педагог Юлиана Малхасянц, Дмитрий Корнеев из Мариинского, Андрей Куделин - человек завидного балетного образования и вулканического темперамента, Каролина Лорка -вице-директор Мюнхенского училища. Отдельно надо сказать о Татьяне Расторгуевой, бывшей солистке Большого, которой мы обязаны многими нашими успехами.
- В каком направлении развивается репертуар? Каких
балетмейстеров приглашаете? Что удалось сделать? Над чем еще предстоит работать?
- Цели, которые я ставляю перед собой, просты для понимания и очень трудны в реализации.Хотелось бы избавиться от советских  привычек, от бездумной полусытой успокоенности, от уверенности, что, мол, и так сойдет, и что тебе - неслыханному таланту, красавцу и гордости нации, исполину, на котором только и держится мировой балет, все кругом задолжали. С трудом, но в Грузии начинают понимать, что в жизни гарантированы только две вещи - то, что есть Бог и что когда-нибудь тебя не станет.

Важно иметь трехлетнюю программу постановок, гастролей и т. д. Выпускать четыре-пять премьер в год при нормальном репертуаре. Мы, слава Богу, добились этого. С мучениями, но добились. Необходима в репертуаре и русская классика в таком виде (и в хореографическом, и в визуальном), чтобы можно было выдержать сравнение с любой другой труппой мира. С помощью Алексея Фадеечева, который является человеком уникального знания в этой области, мы и эту задачу решаем постепенно. Уже поставлены "Лебединое озеро" и "Дон Кихот". В марте - "Жизель". Далее - "Раймонда" и "Лауренсия". В конце сезона выпустим "Ромео и Джульетту" Л. Лавровского. 
Спасибо огромное Михаилу Леонидовичу Лавровскому за разрешение и помощь!
Еще одна первостепенная задача - поставить для труппы шедевры западной классики, балеты Дж. Баланчина прежде всего. Уже состоялись премьеры "Серенады", "Apollo", "Western Symphony". В самом конце года выпустили "Моцартиану", "Chaconne" и "Donizetti Variations". На весну 2006 года запланировали "Тарантеллу", "Duo Concertante" и "Па де де Чайковского". Далее - еще шесть балетов, среди них мои любимые "Эпизоды" и "Симфония в трех частях". Всю эту гигантскую работу нам помогли и помогут проделать Мария Калегари и Барт Кук, люди удивительно тонкие и точные, когда дело касается балетов их учителя. Но не стоит думать, что мы собираемся ограничиться только произведениями Mr. В., хотя его лексика и определяет хореографический язык современности. В прошлом сезоне состоялась премьера "Тщетной предосторожности" Ф. Эштона, для следующего сезона приобрели еще два балета основоположника английского стиля. До 2008 года придут в наш репертуар балеты А. Бурнонвиля, Э. Тюдора, К. МакМиллана, Дж. Роббинса, Б. Куллберг. Самое главное - найти своих хореографов, иметь в репертуаре такие постановки, которые будут ассоциироваться только с грузинским балетом. Трей МакИнтайар поставил для нас "Сон в летнюю ночь". Мы возобновили "Сны о Японии" и первую редакцию "Леа" А. Ратманского. Есть договоренность о постановке с Расселом Мэллифантом, который пока думает над музыкой и названием. Плюс один бельгийский, один американский и еще один английский хореографы. Я пока не готова назвать их имена - боюсь сглазить. Плюс мировая премьера новой трехактной постановки. Если все наши усилия закончатся тем, что через лет пять-шесть появится заметный грузинский хореограф, а, может быть, и хореографы, то я смогу считать свою программу выполненной. И тогда театр перейдет к следующему этапу развития. Со мной или без меня.
- Какие   проекты    наиболее   значительны   среди осуществленных и запланированных на будущее?
- Честно, не знаю, как ответить на этот вопрос. Все вышеперечисленное важно одинаково. Мы находимся в положении персонажа А. Калягина из фильма "Раба любви". "Есть хочется. И худеть хочется. Все хочется!" Вот и мы так.
- Есть ли в труппе звезды?
- Лали Канделаки, Давид Хозашвили и Иракли Бахтадзе. И совсем молодые, но очень талантливые Нина Гогуа, Тамара Джибути, Анна Мурадели, Лаша Хозашвили и Евгений Геерасименко.
- Кто из приглашенных гастролеров участвует в ваших спектаклях?
- Галина Степаненко, Надежда Грачева, Сергей Филин, Андрей Уваров и Дмитрий Белоголовцев - во всех этих замечательных артистах есть что-то от того великого Большого, в котором я начинала служить. С 2007 года начнут приезжать солисты АВТ. Вообще, каждая труппа, администрация которой хоть чуть-чуть соображает, должна иметь приглашенных звезд - для того чтобы местные видели своих коллег, различия в исполнительских стилях, национальных школах.
- Кто ваша публика? Трудно ли достать билеты, сколько они стоят, доступны ли цены на билеты гражданам со средним достатком?
- Наша публика ничем не отличается от балетной публики любого другого города мира. Билеты стоят от трех до пятнадцати долларов. Для других стран - это смешные цифры, для Грузии - существенная часть семейного бюджета.
На премьеры билеты достать труднее, чем на обычные спектакли, и пока мы далеки от гарантированных аншлагов, но
все еще будет, все придет с Божьей помощью.
- Не собираетесь ли на гастроли в Москву?
- Пока не собираемся по весьма простой причине: никто не
- обращался с предложением. В США, Японию, Лондон, Украину -выступать на тех же сценах, где обычно выступают первостатейные труппы, - да, собираемся. Сроки согласованы, контрактыподписаны. Репертуар? Все продюсеры в зависимости от вкусов
своей публики и интересов кассы просят разный репертуар. Кому-то нужен "Сон в летнюю ночь" Т. МакИнтайара, кому-то - "Моцартиана", а кто-то жить не может без "Лебединого озера", "Жизели" и "Дон Кихота".
- Что самое трудное в работе художественного руководителя?
- Разговоривать с артистами про их судьбу и их же положение в театре - при, вероятнее всего, врожденном неумении актеров
(независимо от национальности, цвета кожи, вероисповедания и сексуальной ориентации) прогнозировать хотя бы ближайшее
будущее. Совмещать руководство с собственным графиком выступлений. С содроганием думаю о том, что с осени 2006 года придется отдавать многим труппам и продюсерам долги, которыенакопились во время моего time out. Что еще? Не жить в Нью-Йорке. Не смотреть спектакли Ю. Любимова, П. Фоменко и С. Женовача. Трудно.
- Остается ли свободное время?
- Времени не хватает катастрофически. Дни летят, как часы. Когда вопреки всему выдается свободная минута, я провожу время с семьей и за чтением.
- Какую литературу читаете?
- Мемуары Зинаиды Гиппиус и Ивана Бунина. Хочу понять, почему умные, образованные люди два раза за один век дали уничтожить    собственное    государство.    Реформировать цивилизованно, да! Но все тотально порушить...
- Что интересного в Тбилиси?
- В Тбилиси на фоне обычной постсоветской жвачки – всяких там юморин, попсы с вкраплениями Сезарии Эворы и так далее  ставятся очень интересные драматические спектакли, особенно в свободных и студийных театрах. Все неожиданно для грузинского театра - у нас нет этой традиции вовсе - устремились к Чехову. На днях после длительной реставрации открылся театр имени Руставели. Не дождусь, когда посмотрю спектакли Р. Стуруа "Стикс" и "В ожидании Годо". Совсем скоро после длительной реставрации открывается и театр имени Марджанишвили.
- Насколько благоприятна сегодня ситуация в Грузии для
творческих деятелей и культуры вообще?
- Грузия - абсолютно, иногда - мягко выражаясь - до надоедливости свободная страна. Следовательно, она -прекрасное место для творчества и культуры. Это только дельцы от искусства и рабы по рождению либо собственному выбору думают, что творчеству необходима диктатура, Отец родной, цензура, министр культуры и прочие прелести в том же духе. И что творчество, ну просто невозможно, ну абсолютно немыслимо без места у ног Хозяина.
Еще как возможно! Творческий человек, избавленный от необходимости намеками говорить о проблемах и о политике, только и начинает творить, думать о форме, деталях, тонкостях профессии, то есть начинает заниматься своим прямым делом.
С другой стороны, огромной части тех, кто поддерживает и создает культуру Грузии, сегодня очень трудно. Очень многие вынуждены думать о хлебе насущном, а не витать в небесах и размышлять о вечных вопросах бытия.
Эти люди, понятное дело, хотели бы жить в тех же условиях, что западные коллеги, тем более, что часто ничем не уступают, а нередко и превосходят их. Но - не любой ценой. Не ценой отказа от независимости и свободы.
Свобода - во всех смыслах этого слова - их выбор, и никогда уже от нее никто в Грузии не откажется ради гарантированного места в зоопарке.
- Вашу труппу поддерживает президент Грузии. В чем выражается поддержка, насколько она стабильна? Ходит ли господин Саакашвили на ваши спектакли?
- Президент, выражая волю, - простите за конституционную терминологию вне стиля интервью, - грузинского народа, поддерживает не только нас, но грузинскую культуру вообще. Из быстро растущего бюджета государства исправно выделяются средства на образование, театрам, музеям, на археологию, киноиндустрию (недавние победы грузинских фильмов на международных фестивалях - первые плоды такой поддержки) и т. д. Власть, мне кажется, прекрасно понимает, что можно возродить экономику, создать демократические государственные институты, но возродить однажды утерянную культуру- вряд ли. А одичавщему народу государство и демократия не нужны в принципе. Да, президент ходит на наши спектакли, на спектакли других театров, выставки, даже помещает места раскопок. Но верноподданического ликования по этому поводу нет. Грузины иронично относятся и к себе, и к другим.
Беседовала Елена Губайдулина

"Балет Станиславского" в пути и на перепутьях
Третий сезон Московский музыкальный театр имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко ждет возвращения на свою сцену. Идут строительство и реконструкция здания на Большой Дмитровке. Открытие обновленного театра было намечено на начало сентября 2005 года, но пожар на стройке отодвинул долгожданное открытие минимум на 6-9*месяцев. В столице театр два сезона играл спектакли на Новой сцене Большого театра, на сценах Театра Российской Армии и Молодежного театра. Но выделенных дней аренды было явно недостаточно для сохранения репертуара, а главное - для поддержания творческого потенциала труппы. Сезон 2005-2006 оказался вообще без московских площадок. Поэтому как никогда интенсивным получился график как зарубежных гастролей, так и поездок по городам России. В сезоне 2003-2004 артисты с Большой Дмитровки побывали в Самаре, Чебоксарах, Кирове, Ростове-на-Дону, Воронеже и Ярославле. На следующий сезон гастрольные маршруты пролегли через Саратов, Пермь и Екатеринбург (в этом городе выступала оперная труппа). В сентябре 2005 года артисты балетной труппы побывали в Сочи. Ненадолго вылетели в Таиланд, а затем по неделе выступали в Смоленске и Петербурге. Притом впервые за всю историю театра в Северной столице танцевали на прославленной сцене Мариинского.
Характерно, что во всех российских городах, кроме Петербурга, гастроли проходили как бы по одному сценарию. К приезду москвичей публика поначалу относилась очень настороженно. Объясняется это большим количеством антрепризных спектаклей из Москвы, которые буквально заполонили матушку Россию.
Зрители, пришедшие на спектакли Музыкального театра, удивлялись: "Вы приехали с оркестром?! У Вас нормальные декорации? У Вас такой большой кордебалет?" В Кирове рассказывали, как на гастроли привозили "Лебединое озеро", в котором было занято 20 (!) артистов. Во всех городах зрители увидели спектакли Музыкального театра абсолютно такими, какими они показываются на родной сцене.
Подробнее расскажем о маршрутах "Балета Станиславского"-так обычно называют за рубежом труппу Музыкального театра - в сезоне 2004-2005 г.г.
Все началось с Лондона. Похоже, что новогодние гастроли москвичей здесь стали традицией. За последние четыре года это уже третий приезд. Первые две поездки состоялись в декабре 2001-го и в январе 2004-го. Тогда москвичи показали свой главный брэнд - "Лебединое озеро" в редакции Владимира Бурмейстера и его же "Снегурочку". Заметим, что "Снегурочку" лондонцы увидели в новом оформлении художника Владимира Арефьева". 2004 год был отмечен показом уже полюбившегося лондонскими балетоманами "Лебединого озера" и "Щелкунчика" - опять же в новом оформлении Владимира Арефьева.
В афише последних гастролей значились "Щелкунчик" и жемчужина русского классического балета "Дон Кихот" (хореография А. Горского в редакции А. Чичинадзе). Можно смело сказать, что лондонцы полюбили "Балет Станиславского" и считают его своим. Зрители хорошо знают и всегда тепло принимают ведущих солистов труппы Татьяну Чернобровкину, Наталью Ледовскую, Оксану Кузьменко, Наталью Крапивину, Кадрию Амирову, Анастасию Першенкову, Екактерину Сафонову, Виктора Дика, Георги Смилевски, Дмитрия Забабурина, Романа Маленко.. Все названные артисты принимали участие в последних гастролях Своеобразным открытием для лондонцев стало выступление молодой балерины Натальи Сомовой в партии Китри в "Дон Кихоте". Зрители по достоинству оценили восходящую звезду Музыкального театра.
График гастролей был довольно плотным. Состоялось и несколько дневных представлений для детей. Юные зрители с восторгом принимали прежде всего, конечно же, "Щелкунчика". Традиционно в Лондоне на Рождество происходит своеобразный фестиваль этого балета П. И. Чайковского. Второй год в стихийном конкурсе "Щелкунчиков" несомненным лидером является московский спектакль. Так единодушно решила критика, а зрители проголосовали своим посещением.
Приведем несколько отзывов прессы. Дженни Гилберт в газете "The Independent" пишет о Натальи Ледовской: "Ее танец в "Щелкунчике" настолько чист и совершенен, что кажется она даже оркестр заставляет затаить дыхание". Самую высокую оценку критики получило выступление замечательной балерины и в "Дон Кихоте": "Наталья Ледовская обворожительна в роли Китри" ("The Staqe Online"). Эта же газета дает оценку постановки "Дон Кихота": "Москвичи показали красочный, яркий спектакль, полный испанских танцев, классического балета, юмора и фарса".
Известно, что балетная труппа Музыкального театра всегда славилась яркими актерскими индивидуальностями. Тем приятнее читать статью Зои Андерсон, которая пишет: "Богатейшую актерскую игру продемонстрировал Антон Домашев в роли Гамаша ("Дон Кихот"). У него огромные глаза, непоколебимое чувство собственного достоинства. Его персонаж отличается целым каскадом комических деталей и находок". В настоящий восторг привел критика дуэт Натальи Крапивиной и Георги Смилевски в том же "Дон Кихоте": "У обоих впечатляющий прыжок и редкая воздушность, все трудности преодолеваются с искренней улыбкой".
Читая рецензии на гастроли москвичей, невольно обращаешь внимание на обилие имен артистов, искусство которых получило самую высокую оценку. Это Анастасия Першенкова, Инна Гинкевич, Роман Маленко, Сергей Горюнов, Вячеслав Бучковский, Ольга Сизых, Дмитрий Романенко, Денис Перковский... Можно только порадоваться за кордебалет Музыкального театра, нагрузка на который во время гастролей была очень велика. "Две большие массовые сцены в "Щелкунчике" "Танец снежинок" и "Вальс цветов" явились хореографической кульминацией балета. Их исполнение отличается четкостью и выразительностью" ("Independent").
Завершим рассказ о гастролях Музыкального театра словами критика Гэвина Робана: "Балет Станиславского" наполнил холодный Лондон солнечным светом и теплом". К этим словам трудно что-либо добавить.
Едва артисты вернулись в Москву, а их уже ждали в Китае. Здесь москвичи показали два спектакля - "Лебединое озеро" и "Эсмеральду". Названия были выбраны принимающей стороной не случайно. Еще в далеком 1954 году Музыкальный театр впервые выезжал в Китай. Тогда именно "Лебединое озеро" и "Эсмеральда" имели наибольший успех. Спектакли прошли в Пекине, Шанхае, Ханчжоу и Нанкине. Судя по горячему приему и постоянным аншлагам, взгляды на классический балет в Китае особенно не изменились.
После зарубежных гастролей продолжилось турне балета
Музыкального театра по городам России. В Саратове с особым
интересом ждали выступлений Татьяны Чернобровкиной.
Творческий путь балерины начинался в городе на Волге.
Ранним утром на вокзал пришла целая группа педагогов и
учащихся местного хореографического училища -встретить свою прославленную выпускницу. Когда же Чернобровкина танцевала Купаву в "Снегурочке", в зале буквально яблоку негде было упасть.
Нашлась своя изюминка и во время гастролей в Перми. В этом балетном городе, конечно же, помнят выпускника местного хореографического училища Виктора Дика. Репертуар сложился так, что Дик выходил на сцену почти каждый вечер. Он танцевал в "Шопениане", "Снегурочке", "Призрачном бале".
Выступил замечательный мастер и водной из своих лучших
ролей - Альберте в "Жизели". 
Пермяки вспоминали, как совсем молодой Витя Дик
впервые на пермской сцене танцевал в этом балете с лучшей
Жизелью России Людмилой Шипулиной. Заметим, что
Людмила Валентиновна Шипулина также приезжала в Пермь, где на ее уроки приходили многие ученицы местного хореографического училища и балерины театра оперы и балета. Репертуар всех гастролей театра в основном строился на классике. Поэтому, подводя итог выступлениям москвичей, газета "Саратов - столица Поволжья" писала: "...несмотря на то, что Музыкальный театр всегда идет вторым эшелоном за Большим театром, он остается первым классическим. А классические Снегурочки и Одетты, знаете ли, все же нам ближе".

Игорь Казенин

Слово и слова
Вышла книга, которая, вне всякого сомнения, будет полезна многим и многим - "Англо-русский и русско-английский театральный словарь", составленный Элли Семеновной Перель.
В наше время интенсивных международных связей, в том числе и в области театра, то и дело возникает потребность перейти на другой язык: назвать по-русски должность работающего в театре человека, когда знаешь только, как она называется по-английски, перевести на английский язык название театральной организации, части декорации, осветительного прибора или места в зрительном зале. С немалыми трудностями сталкиваются и переводчики, и практики, и критики, и даже историки театра, пишущие о событиях прошлого. Всем нам такой словарь необходим, и мы долго его ждали.
Книга Э.С. Перель затрагивает все виды театральных зрелищ, все жанры и даже изменения понятий в разные эпохи. Немалое внимание уделено автору и балету. Ведь и здесь переводчика подстерегают немалые опасности. В балете постоянно используются французские слова в качестве терминов или наименований, но далеко не всегда в обиходе русского и англоязычного театров они "сохраняют" тот же смысл. Кроме того, с годами смысл иногда менялся, и это приводило при переводе к серьезным искажениям. Приведу несколько примеров. Французское ma?tre de ballet переведено на английский и русский языки, казалось бы, одинаково - балетмейстер и ballet master. Но не тут то было! У нас балетмейстер - это то же самое, что "хореограф", т.е. человек, сочиняющий танцы или балеты. Возможно такое же значение имело в прошлом и английское слово. Но сейчас не так. "Ballet master" - это руководитель труппы, человек, занимающийся репетиционной работой, но вовсе не тот, кто сочиняет балеты. В биографиях артистов часто пишут - такой-то был танцовщиком, педагогом, хореографом и "ballet master". Иначе говоря, был руководителем балетной труппы.
По-разному понимается на русском и английском также слово "хореография". У нас оно чрезвычайно употребительно. Не только училища именуют себя не балетными или танцевальными, а хореографическими, но даже всевозможные студии и кружки; и занятия с фигуристами тоже называют "занятием хореографией". Не совсем так обстоит дело в англоязычных странах. Там никогда не скажут "хореографическая школа", а только "балетная" или "школа танцев". Потому что у них сохраняются понятия "хореографии" лишь как искусства танца в обобщенном смысле, или как текст танцевального произведения и его сочинение. Не удивлюсь если, прочитав: "хореографическое училище", англичанин будет думать, что там учат не танцевать, а ставить танцы.
И, наконец, пример из несколько иной области. Существует слово "водевиль", обозначающее, как известно, определенный вид театральной пьесы. Между тем в биографиях многих американских артистов, в том числе и танцовщиков, читаешь, что он "начинал в vaudeville", "работал в течение такого-то периода в vaudeville". Это кажется удивительным, если не знать, что в Америке это означает эстрадную программу, с которой группа артистов разъезжает из города в город. Да, кстати, и слово "эстрада", которое у нас - суть жанровое понятие, непереводимо на английский язык, и заменяется более конкретными выражениями, обозначающими лишь один вид эстрадного представления: варьете ("variet?"), мюзик-холл ("music-hall"). Или же в Америке - в некоторых случаях как раз словом "vaudeville". Обо всем этом можно узнать и из словаря Э.С. Перель.
Эта книга - плод многолетнего труда. Только безграничная увлеченность своим делом и безмерное терпение, наряду с редкой эрудицией позволили Элли Семеновне Перель создать словарь, который призван стать настольной книгой всех, кто причастен к искусству театра. Одно только больно - вскоре после того, как книга была завершена, Элли Семеновна ушла из жизни, так и не увидев ее изданной.

Е.Я. Суриц


Над седой равниной моря
Рижский "Корсар" на французской сцене
В рамках проходившего во Франции фестиваля "Удивительная Латвия" на сцене Лионского Дома Танца балетная труппа Латвийского национального оперного театра показала семь раз балет "Корсар" -один из шедевров классического репертуара на сюжет поэмы Джорджа Байрона. Спектакль рассказывает захватывающую историю о красавице-невольнице Медоре, похищенной корсаром Конрадом, но с помощью обмана и предательства возвращенной ее владельцу и проданной паше Сеиду. Влюбленный в Медору корсар с друзьями проникает во дворец паши, освобождает пленницу и бежит с нею на корабле. Во время бури он терпит крушение, но влюбленные спасаются, достигая прибрежной скалы.
В постановке Жозефа Мазилье на музыку Адольфа Адана премьера "Корсара" состоялась в Парижской опере в 1856 году, но потом французы его забыли. Зато "Корсара" полюбили в Петербурге: Жюль Перро создал свою редакцию в 1858 году, а Мариус Петипа сделал для Мариинского театра несколько версий (1868-99). За свою долгую жизнь балет обрел множество хореографических редакций, основу которых составляет спектакль Петипа. Наиболее богатое сценическое воплощение "Корсар" получил в постановке Юрия Григоровича, премьера которой состоялась в Краснодаре в 2004 году.
Теперь французы получили уникальную возможность увидеть давно исчезнувший для них балет в постановке Айварса Лейманиса. В прошлом солист Рижской труппы, ныне ее руководитель, он создал "Корсар" в 2003 году в связи с 200-летием со дня рождения Адана. О своем спектакле 
Лейманис сказал: "Я попробовал рассказать историю, используя наиболее возможный язык танца. Сделаны некоторые сокращения - эта постановка не содержит, на мой взгляд, вещей второстепенных; таким образом, история стала более динамичной, логичной и увлекательной. В "Корсар" вовлечены все артисты труппы; здесь нет, как в большинстве балетов, одной или двух главных ролей".
Эту концепцию Лейманис успешно реализовал в своей постановке, включив в нее хореографические фрагменты Петипа. Сотканный из романтизма и юмора, балет привлекает разнообразием танцев и пантомимы, живостью и четкостью развития мизансцен. Сказочно красивый спектакль ослепляет яркими и изысканными костюмами Элиты Патмалнисе: сшитые из контрастных по цвету тканей, сверкающей парчи и украшенные тонкими узорами, они напоминают экзотическое пиршество творческой фантазии Льва Бакса, возвеличившего Русские балеты Сергея Дягилева. Лига Пюрмале оформила спектакль эффектными панно с арабской орнаментикой, созжающей на сцене пряную атмосферу сказочного Востока.
Необычайно красочное представление идет с двумя антрактами два с половиной часа в сопровождении оркестра Латвийского оперного театра под управлением Фархардса Стаде. Балет исполняет молодая и полная энтузиазма труппа: 53 артиста демонстрируют свое танцевальное мастерство и сценическую гармонию; особое впечатление производят мужские ансамбли. Лихие, длинноволосые корсары в черных костюмах (кожа и бархат) вносят страстную пульсацию в балетное действо. В дивной картине гарема Сеида женский кордебалет пленяет изяществом и грацией, а сам паша, пестро разодетый, словно попугай, вызывает у публики частый добродушный смех.
Сложные вариации и дуэты требуют от исполнителей ведущих партий высокой техники и чистоты стиля. Прекрасные балерины Байба Кокина (Медора) и Эльза Леймане (Гюльнара) вдохновенно и убедительно интерпретируют свои партии вместе с надежными партнерами Сергеем Нейкшиным (Конрад) и Мариансом Буткевисом (Бирбанто), проявляющими редкий артистизм и экспрессию. В знаменитом па-де-де Петипа, в котором блистал Рудольф Нуреев, высокий и статный Алексей Авешкин (раб) восхищает пластикой рук и чистотой вращений, но ему не хватает свободы, чтобы полностью показать свои исключительные возможности. Лучших комплиментов заслуживают также балерины, исполняющие танец с бубнами, партии цветов и одалисок.

Виктор Игнатов
Лион-Париж
 
главная