Разделы:
Адрес редакции:
129110, Москва, Проспект Мира, дом52/1. 
Тел./факс: (095) 688-2401 
Тел.: (095) 684-3351
This site best viewed with I.E. 5.0 or higher, 1024/768 resolution.
(C) Copyright by Ballet Magazine, 2000. 
Design by L.i.D.

 Линия - 2006
 ЛИНИЯ. Журнал «БАЛЕТ» в газетном формате.
№ 9 /2006

"Балету" - быть!

30 ноября на сцене Московского музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко состоялся гала-концерт, посвященный 25-летию журнала "Балет". Об истории создания журналарассказывает читателям "Линии" главный редактор "Балета" Валерия Уральская
Желание отметить юбилей всегда связано с невольными воспоминаниями. В нашем случае - воспоминаниями тех людей, которые стояли у самых истоков создания журнала. В архивах можно найти немало документов - обращений деятелей балетного театра, хореографического искусства в правительство с просьбой создания журнального органа в такой танцующей стране, как наша. Многочисленные аргументации возымели действие и в 1981 году, в январе-месяце, было принято решение - журналу быть. Естественным казалось и его название "Советский балет" -журнал об искусстве танца огромной страны (под словом "балет" имелись в виду все виды хореографического искусства).
Подготовительная работа заняла почти полгода. И неизвестно, к чему бы она привела, если бы не усилия Валерия Михайловича Куржиямского и Музы Сергеевны Клемёновой, тогдашних сотрудников Министерства культуры СССР. К маю была сформирована редакция, которую возглавила Раиса Стручкова, чье'имя в балете знали все и чей профессионализм и энергия гарантировали авторитет изданию буквально с его первых шагов. В редакционную коллегию и рабочую редакцию вошли выдающиеся деятели искусства, что и позже оставалось принципом руководства журналом. В этом же году были подготовлены первые  три номера: первенец в декабре этого же, 1981-го, года вышел в свет. Два других стали соответственно 1 и 2 номерами уже следующего - 1982-го. Таковы первые вехи.
За четверть века на страницах журнала "прошли" основные события жизни в искусстве танца страны, создана своеобразная летопись театров, коллективов народного танца, их заметных деятелей - артистов, хореографов и их сподвижников.
Свою биографию в журнале начинало не одно поколение критиков, журналистов: оттачивали перо, пробовали силы, обретали опыт. Вырастая, уходили, как уходят взрослые дети из семьи, в сложную и противоречивую жизнь современного искусства и журналистики.
Перед редакцией журнала не раз стоял вопрос выживания и осознания своего места в условиях быстро меняющихся моды и издательских приоритетов в последние десятилетия ХХ-го и первые годы XXI века. Поиск разумного, вечного и профессионального, выбор тональности общения с художниками - служителями искусства и зрителями. Постоянное изучение своей аудитории и желание быть полезными.
Скажем прямо, не всеми и не всегда этот поиск поддерживался. Не всегда вписывался в мейнстримы и встречал понимание. Непростое время, непростые отношения, иногда - узкая колея, но... Но свет осознанного служения искусству балета, традициям танца, поддержка ищущих и посвятивших себя хореографии путь озаряли. На самом рубеже веков мы отважились на выпуск журнального спутника - "Линия. Журнал "Балет" в газетном формате", который во многом взял на себя роль более оперативного, чем журнал, издания, помог расширить пути-дороги к читателю, обрел свое лицо, стал популярным. Дальше - больше. Усилиям членов редакции начало выходить в свет и еще одно приложение - журнал "Балет" для детей, получший название "Студия Антре". И, наконец, стала возможой издательская деятельность по выпуску книг о балете: многие из них, сразу попавшие в ранг раритетов, долго ждали своего часа...
В юбилейные дни искренно хотелось поприветствовать пока весьма скромный журнал, новый, недавно начавший выходить в Санкт-Петербурге под названием "Балет ad libitum" и пожелать его создателям и молодым авторам света в пути и творчестве. Один из девизов этого молодого издания нам очень близок: "...из любви к искусству...".
На праздничном вечере в честь журнала мы встретились с теми, кто вчера и сегодня наполнял и наполняет его страницы и вместе поразмышляет о творчестве, поисках, традициях и новациях в нашем искусстве. Нас подравили те, кто хотел поздравить, и за это всем участника гала-концерта на сцене Музыкального театра им. К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко - низкий поклон.
С праздником всех, кто в эти годы был с журналом, читал, хвалил и хулил, спорил и поддерживал, тем самым определяя его 25-летнюю судьбу.

Валерия Уральская,
главный   редактор журнала "Балет"
"Ты мои друг и я твои друг, старый добрый друг!.."

Музыкальный театр имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича - Данченко показал премьеру балета С. С. Прокофьева "Золушка". Хореографом и постановщиком выступил один из мэтров отечественной хореографии Олег Виноградов.
Этот спектакль не нов для Виноградова. Постановку "Золушки" он впервые осуществил ещё в 1964 году в Новосибирском театре оперы и балета. Тогда спектакль, созданный по сказке Шарля Перро, принёс большой успех и известность молодому и, по сути, начинающему балетмейстеру. Впоследствии "Золушка" неоднократно возобновлялась постановщиком в различных театрах по всему миру. Полный список виноградовских версий этого балета насчитывает около двадцати единиц. По хореографии все они незначительно отличаются друг от друга.
Большое влияние на спектакль оказал знаменитый фильм "Золушка" режиссёра Надежды Кашеверовой с Яниной Жеймо в главной роли. Именно под воздействием этой киносказки Олег Виноградов решил поставить свою хореографическую версию волшебной истории о бедной девушке, ставшей невестой Принца. Современная "Золушка" в Музыкальном театре, собственно, как и её далекая предшественница из Новосибирска, создана балетмейстером в тесном сотрудничестве с художником Валерием Левенталем. Декорации художника дают не просто красивый фон сказочному повествованию, а помогают раскрытию танцевальных образов балета.
Главная героиня спектакля Виноградова талантливая, трудолюбивая и мечтательная девушка, безропотно переносящая многочисленные обиды от Мачехи, Злюки и Кривляки. Согласно замыслу хореографа, добрая фея помогает ей пройти обучение классическому танцу и стать настоящей балериной - живым воплощением красоты и совершенства. Преобразившаяся внешне и внутренне, Золушка оказывается на королевском балу, где и происходит её знакомство с Принцем. Ровно в полночь, с двенадцатым ударом часов, она, обретшая счастье любви и всеобщего поклонения, неожиданно и спешно покидает дворец. Далее действие развивается по Шарлю Перро практически без изменений. В финале спектакля Принц, утомлённый долгими скитаниями по миру, наконец, находит свою Золушку. Он, некогда шаловливый и взбалмошный юнец, чувствует себя абсолютно изменившимся в присутствии этой девушки. Душевная красота Золушки, её очаровательный облик словно окрыляют Принца, делают его сильнее, внутренне богаче и чище. Апофеоз спектакля, нафантазированного Виноградовым, - это торжество упоительного и волшебного чувства взаимной любви двух героев.
Стоит признать в целом удачный выбор артистов на главные партии в этом спектакле. Обаятельная, не лишённая чувства меры Наталья Сомова, словно, на одном дыхании провела партию Золушки (другие исполнительницы партии Золушки - Наталья Ледовская и Наталья Крапивина). Михаил Пухов достойно провел партию Принца. Но лёгкости и порывистости, свойственных молодому и избалованному вниманием наследнику королевства, ему не хватало (другие исполнители партии Принца - Георги Смилевски и Сергей Теплов). Добрая фея в исполнении Ольги Сизых предстала идеальной танцующей волшебницей, устроителем судьбы Золушки. Мачеха Галины Ищенко, Злюка Оксаны Кардаш, Кривляка Ольги Приходцевой составили интересное комическое трио. Эти артистки заслуженно привлекли внимание зрителей, но, будучи персонажами отрицательными, однако, не стали яркими
антагонистами положительных героев. Король Дениса Акинфеева выступил по-домашнему радушным хозяином бала, властителем добропорядочного королевства.
Оркестр Музыкального театра под управлением Феликса Коробова продемонстрировал интеллигентное и тактичное отношение к партитуре балета Прокофьева. В его звучании ощущалась пластическая эмоциональность.
"Золушка" Олега Виноградова - своеобразный гимн женской красоте, гимн красоте и совершенству классического танца. Этот спектакль хореографа - преклонение перед балериной, чей танец гармонично воздействует на чувства зрителей. Появление его на московской балетной сцене кажется своевременным. Ибо в наши дни ощутим недостаток в искренних и правдивых взаимоотношениях, в духовной близости между людьми. Особенно интересно, да и полезно будет посмотреть этот балет детям, поскольку "Золушка" по настоящему сказочный и добрый спектакль.

Роман Володченков


"Полюбили мы жука, старика, добряка!.."

Мариинский театр продолжил сотрудничество с Михаилом Шемякиным. Вслед за "Щелкунчиком" и "Волшебным орехом" художник оформил вечер одноактных балетов под названием "Мегаполис". 6 спектакле заняты молодые артисты - Анастасия Петушкова, Дарья Васнецова, Екатерина Иванникова, Максим Зюзин, Александр Сергеев, Алексей Тимофеев, Михаил Лобухин.
Новое создание Мариинки двигали две пламенные страсти. Первая - живописная - овладела Михаилом Шемякиным. Вторая -музыкальная - Валерием Гергиевым. Шемякин очень хотел показать свои новые костюмы и полотна. И непременно в огромном и престижном зале, каковым и стал многоярусный императорский театр. Гергиев столь же настойчиво желал исполнить великие симфонические сочинения: две Вторые симфонии - Прокофьева и Рахманинова и "Весну священную" Стравинского. Результатом можно гордиться. Шемякинские костюмы и декорации впечатляют фирменными линиями и колоритом, а оркестр Гергиева - точностью нюансов и сбалансированностью звучания. Отдельное спасибо Валерию Абисаловичу за редко исполняемого Прокофьева - буйное скифство этой музыки поразительно совпало с неукротимым темпераментом дирижера. Правда, маэстро часто не совпадал с танцовщиками, но это уже к вопросу о том, насколько успешно дирижер-симфонист может переквалифицироваться в дирижера балета, и не есть ли это две разные профессии.
А что же, собственно, балет? Балета, как такого, не было, если под балетом подразумевать искусство сочинять движения и складывать их в занимательные истории. Болгарка Донвена Пандурски - постановщик и либреттист- имеет богатый опыт работы на Западе, в том числе в труппе Мориса Бежара. Однако по ее хореографии этого не видно. Кажется, что госпожа Пандурски всю жизнь прожила за железным занавесом и кроме худших образцов советского драмбалета ничего не знает. Современная хореографическая мысль в "Мегаполисе" исчерпывается подергиваниями бедер и перекидыванием партнерш через плечо. Этими "вкраплениями" вкупе со стандартной классикой и тривиальными драматическими жестами решены все три одноактовки. Несмотря на очевидное различие в музыке и сюжетах. "Метафизика" на музыку Прокофьева - заявка на танцсимфонию с философским подтекстом. В программе фигурируют "человеческий индивидуум как детище космической энергии", "мужчина и женщина, увлекающие за собой в гипнотическом ощущении бесконечности" и прочая словесная шелуха. На сцене - банальнейшие соло, дуэты и ансамбли. На заднике - "метафизические" работы Шемякина: сначала "Дух рыцаря", затем "Святой Христофор". Строго говоря, смотреть без раздражения можно только на них.
"Кроткая" на музыку Рахманинова имеет в основе одноименный рассказ Достоевского и впечатления художника от Петербурга осенней поры. Свинцово-серый колорит оформления действует угнетающе, что временами не вяжется с патетическими разливами музыки. В данном случае, учит советский кинематограф, уместнее были бы ясное небо и весеннее половодье. Тем более что персонажи М, и их действия (героиня мечется между мужем и любовником, .д * тут же слоняются призраки, скорбят ангелы смерти и маршируют бравые служивые) впишутся в любые погодные условия.
"Весна священная" с подзаголовком "Сцены из жизни насекомых" подается как главная часть триптиха и новое слово в интерпретации Стравинского. Но в теме "Стравинский и насекомые" Шемякин с Пандурски далеко не первопроходцы. Еще в 1917 году Лео Стаатс поставил балет "Пчелы" на музыку "Фантастического скерцо". Затем Джером Роббинс услышал в "Концерте для струнного оркестра" триллер о паучихах, пожирающих особей противоположного пола ("Клетка", 1951). Антигерой нового спектакля тоже кровожадный паук, а его жертвы - муравьи, жуки, стрекозы, кузнечики и прибывшие из романтических балетов сильфиды с эльфами. Правда, в отличие от привычных "Весен" здесь наличествует хэппи-энд. Бойкая сильфида, взмахнув ручкой, повергает злодея, на что с умилением взирают рисованные гусеницы и лягушки. О людском напоминают изображенные на заднике рассохшаяся бочка и пара гигантских лаптей (привет Дягилеву с его лапотной "Весной").
Кстати, о Дягилеве. Поклонники Шемякина уверяют, что его балеты - это возвращение к забытому "гезамткунстверку" -дягилевскому содружеству искусств, где художник был фигурой номер один. А что касается хореографа, так и сам Дягилев, бывало, говорил, что может сделать его из чернильницы. Вот только "чернильницы" культуртрегеру попадались на вес золота: Фокин, Нижинский, Мясин, Баланчин... Шемякин - не Дягилев. В том смысле, что занимается прямо противоположным. Из хореографа делает чернильницу.

Светлана Наборщикова
"А все же заманчива должность твоя ..."
Алексей Боровик покинул сцену

Алексей Боровик, известный русско-американский танцовщик, покинул сцену. Двадцать семь лет, которые артист проработал в русском, а затем в американском балете - большой срок для мужчины-танцовщика. В октябре он последний раз танцевал в Филадельфии вместе с труппой Pennsylvania Ballet, с которой выступал последние десять лет, на праздничном концерте в честь открытия сезона. Боровик и Марта Чемберлен исполняли дуэт из балета Дж.Баланчина "Аполлон"на музыку Игоря Стравинского. В тот вечер казалось, что танцовщик находится на вершине своего мастерства, но никак не на закате исполнительского пути. Мужественный, как всегда, танец Боровика, красивый в своей законченности, изумительная пластическая выразительность и эмоциональность вызывали естественное недоумение у зрителей: почему он решил закончить карьеру? "Достаточно, - ответил .на мой вопрос Боровик, - мне стало тяжело работать. Тело говорит мне, что пора остановиться".
За словами "покинул сцену" стоит часто богатая в творческом отношении жизнь артиста, как в данном случае у Алексея Боровика. Биография танцовщика (сценическая, поскольку она вмещает для актера и все остальные факты его жизни) началась в 1979-м году, когда он закончил Пермское хореографическое училище и был принят в труппу Пермского театра оперы и балета. Родился Алексей в Челябинске. В балетную школу попал не случайно, как большинство детей, но сам выбрал свою судьбу.
А.Б.: Когда я учился еще в обычной школе, то хотел чем-нибудь сниматься помимо занятий. Какой у меня был круг интересов? Фотография, футбол... А тут в школе начали набирать детей в балетный кружок. Балет я уже видел, мама водила меня в театр. Мне балет нравился. Я и решил, пойду в кружок, может быть, там интересно. Так и попал в балетную студию при Дворце культуры в Челябинске. Педагог сказала маме, что у меня есть
определенный талант, и мне надо пойти в профессиональную школу. Мы поехали в Пермь, меня приняли, я стал там учиться, жил в интернате. Мне было 9 лет, и я чувствовал себя сначала очень одиноко. И мама, когда со мной говорила, повторяла: "Я так скучаю, так скучаю, может быть, забрать тебя из школы?" Потом, когда я первый год проучился и приехал домой на летние каникулы, мама опять меня спрашивает: "Может быть, ты не поедешь больше в училище?" Но я решил вернуться: там, в училище, была другая жизнь, непохожая на ту, какой я жил дома. Подумав, что в школе интереснее, сказал: "Знаешь, мама, я поеду обратно." Ребята, которых я наблюдал вокруг в Челябинске, -те, кто были старше меня, - кто пил, кто курил... Это называлось "улица". Или все было предопределено: закончишь школу, пойдешь в техникум или институт... В школе же все было необычно и ново. Я встретился с людьми, которые любили балет, я это видел.
Поступив после школы в театр, Алексей постепенно начал танцевать ведущие роли и в 1982 году получил ставку премьера балета. Стал победителем международных конкурсов и был удостоен почетного звания... Женился, родился первый ребенок... И все равно Боровик продолжал не только стремиться к новым ролям, но откликался на все замачивые предложения, сулившие разнообразие в жизни. Так Боровик не только выступал как гастролер в Большом театре в Москве или ездил в заграничные поездки в числе сборной труппы "Звезды Большого и Кировского балета", но однажды отправился в турне по охваченной войной стране - Никарагуа.
А.Б.: Это случилось в 1987 или 1988 году, не помню. Евгений Попко организовал гастрольную группу. Мы поехали, нам казалось это путешествие таким увлекательным, мы тогда даже не представляли себе, насколько все обстояло серьезно. С нами в грузовиках ехали солдаты, кругом стерляли и рвались мины. Это я теперь понимаю, как было опасно.
Словом - "товарищ мужчина, а все же заманчива должность твоя" (Б.Окуджава).
Тяга к неизвестному толкала Боровика на новые неожиданные поступки. Так в 1991-м году Боровик, оказавшись в Америке, решил в этой стране остаться.
Приехал с донецким театром на гастроли, как вдруг от них отказался импресарио, оставив практически на улице и без денег. Затем помогли американцы... Дело не в этой старой истории. После гастролей премьер донецкого театра Вадим Писарев предложил танцовщикам остаться в Филадельфии и организовать труппу, которая, получив рабочую визу, могла ездить с гастролями по стране.
А.Б.: Вопрос стоял так: или оставаться или сию же минуту возвращаться домой. Что получится из этих планов Писарева, я понятия не имел, но решил остаться. Возникала примерно та же ситуация, как во время начала моих занятий балетом: здесь все было ново и неизвестно. Я знал, что дома буду танцевать одни и те же спектакли, а здесь открывалась возможность исполнять совершенно другой репертуар, балеты Баланчина, например. Жили мы в Филадельфии. Было у нас несколько выступлений, но я видел, что ничего не складывается. Мы с партнершей стали искать работу. Пришли в "Pennsylvania Ballet" и попросили разрешения позаниматься. Стали ходить на занятия. Директор компании Кристофер Д'Амбуаз пригласил меня станцевать как гастролера "Вариации на тему "Раймонды" Баланчина. Я еще не знал языка, мне было очень интересно, но тяжело. Но дело даже не в языковом барьере, а в профессиональном. Например, балерина делает подходы к поддержке совсем не так, как учили в русской школе, и вообще оказалось много других различий в системе обучения. Затем я поехал на просмотр в Сиетл и получил приглашение работать. Но в это же время Д'Амбуаз предложил мне контракт премьера. Это был сезон 1992-93 года. С 1992-го года я и работаю в Pennsylvania Ballet.
А в это время Елена, жена Боровика, врач-педиатр, оставалась в Перми, у супругов только что родился второй ребенок. Месяцев десять Боровик "выцарапывал" свою семью из России: не хватало то одних бумаг, то других. Каждый раз Лене приходилось ездить из Перми в консулат в Москву. Им нужны были доказательства, что Боровик находится в Америке легально и у него есть работа. Копии не принимали, надо было посылать оригинал контракта... В конце концов, в 1992-м году семья воссоединилась в Филадельфии. Жена работает в лаборатории, в госпитале. Сын уже учится в колледже, а дочь еще в школе.
Н.А.: Интересно было работать в Пенсильвании?
А.Б.: Интересно, тяжело, противно - все вместе: склоки, у нас во многом разное отношение к культуре, к балету. Приходилось на многое закрывать глаза, потому что я хотел работать и выходить на сцену. Например, приехал постановщик ставить "Спящую красавицу" Мариуса Петипа, и это для меня была пытка. Он ставил какой-то камерный вариант балета, менять ничего не разрешал. Не знаю, кто придумал эту хореографию, но репетитор говорил: "Все, что я вам показываю, это геиально, все остальные редакции - неправильные". Большинство танцовщиков оригинальный балет не видели и верили, что это - хореография Петипа. Но все равно, тот репертуар, который я станцевал здесь, я не смог бы станцевать в России. Там я бы не смог проработать до 45 лет.
Я видела в Филадельфии года три назад "Лебединое озеро" в редакции модного нынче хореографа Кристофера Уилдона. Уилдон задумал свою версию интересно, но до конца идеи не довел. Алексей Боровик, танцевавший Принца, был поэтичен и вообще стал единственным исполнителем в балете, который как-то связывал эту историю в единый спектакль. У русского танцовщика за плечами уже был опыт исполнения классических балетов. "Я уже научился, выходя на сцену, делать так, как хочу, и вообще нашел этот спектакль интересным, иначе было бы тяжело его танцевать, - говорит Боровик. - Я искал в спектакле все хорошее". Вообще в Америке Боровик станцевал главные роли более чем в десяти трехактных балетах (классика XIX и XX вв.) и большое количество одноактных балетов как уже поставленных, так и созданных для балета в Филадельфии.
На вопрос, не жаль ли все-таки уходить из театра, Боровик ответил: "Я прихожу в репетиционную студию и пытаюсь разговаривать с молодыми танцовщиками, и понимаю, что я ничего не понимаю. У них образ мышления уже другой. Поговорить в труппе не с кем. Труппе 43 года, а мне 45, я последний танцовщик, который старше компании".
Но заключительное выступление Алексея Боровика на сцене состоялось все-таки в России: его пригласили участвовать в концерте в честь педагога Людмилы Сахаровой - в Перми, на сцене театра, где танцовщик начинал выступать. Круг сомкнулся.
Я бы назвала такую творческую карьеру счастливой: артист руководил ею сам, насколько мы вообще можем сами выбирать свою жизнь. Да, собственно, твроческая жизнь Алексея Боровика еще и не закончена: он получил приглашение преподавать в новой балетной школе в Филадельфии. Возможно, Боровик станет таким же талантливым педагогом в классе, каким талантливым артистом был на сцене: разве воспитание будущих артистов - не творческий процесс? И вообще, кто знает, как опять повернется судьба Алексея Боровика: жизнь полна чудес.

Нина Аловерт
"Жил-был у бабушки серенький козлик"
В Эрбле под Парижем состоялась мировая премьера оперы-балета Юлия Гальперина
В начале ноября в Театре Роже Бара родился очаровательный спектакль для детей. Его создали Юлий Гальперин - автор музыки и текста, написанного совместно с режиссером Оливье Морансе по мотивам сказки Пушкина, Родольф Фуйо (хореограф), Жеральд Аскаргорта (сценограф), Катрин Ленар (костюмы), Александр Урзини (свет).
Композитор Юлий Гальперин, известный своей замечательной камерной музы кой, успешно исполняемой в Париже, Москве иряде городов России, впервые обратился к редкому жанру, опере-балету, и в этом преуспел. На сюжет философской сказки он сочинил прекрасную музыку с красивыми, образными темами в эффектной оркестровке. Эту партитуру исполняет необычный ансамбль: его составляют все инструменты - взятые по одному - симфонического оркестра. Но на премьере ансамбль звучал в записи, и для ее оживления в представлении участвовали Давид Галустов (скрипка) и Андрей Карренко (ксилофон). Они внесли красочную пульсацию в музыку двухактного спектакля, созданного в традиционной манере.
Представление идет без антракта более часа и выглядит сумрачно: на пустой темной сцене возвышается лишь теннисная судейская стойка и несколько кубиков, символизирующих место действия. С большей фантазией сделаны костюмы, среди них сверкает золотыми блестками комбинезон Рыбки.
Сценическое действие разворачивается под руководством
пластичного сказочника-философа (Василий Слипак), восседающего на теннисной стойке. Вне времени и пространства он поет красивым басом и говорит на трех языках. Два героя сказки имеют дублеров и предстают как в жанре драматическом (жаль, что не в оперном), так и танцевальном. К сожалению, характеристика героев в каждом жанре разная, и это несоответствие приводит к двойственности сценического действия. Целостность спектакля нарушает также непрерывное чередование драматических и танцевальных сцен. Танцы интересно и в современном стиле поставлены, но они недостаточно экспрессивны и не в полной мере отвечают музыкальной полифонии.
В сказочном спектакле есть и несомненные удачи. Это, прежде всего, динамичная забавная картина свадьбы героев, после которой идет дивная сцена вальса, где звучит романтическая музыка и молодожены танцуют в окружении таинственных теней. А в поэтической картине под звездным небом сказочник вдруг запевает "Жил был у бабушки серенький козлик". Вот так сплетаются в этом спектакле любовь, мудрость и юмор.
Публика принимает "Золотую рыбку" с большим интересом, особенно громко реагируют дети. А если они смеются и радуются, значит спектакль удался. Поэтому поздравим с успехом его создателей и исполнителей - артистов Thеаtre en Pointe.
Виктор Игнатов
Эрблей
Большой в Сибири
Гастроли Большого театра в Новосибирске, ставшие частью проекта "Большой - России", по масштабу оказались сопоставимы с зарубежными поездками коллектива: в них приняли участие 400 человек. Открылись гастроли балетными спектаклями.
Школу Большого театра, его балетный стиль и традиции в Новосибирске хорошо знают - при создании в городе оперного театра основу балетной труппы составили выпускники московской школы, в советское время многие местные солисты проходили стажировку в столице, а звезды Большого танцевали на главной сцене Сибири чаще, чем где бы то ни было. Тем не менее, в полном составе балет Большого театра не был в Новосибирске ровно четверть века, поэтому его визит стал событием для города - на всех гастрольных спектаклях зал был полон.
Для москвичей поездка в Новосибирск не была прогулочной. Местный оперный театр меньше года назад открылся после реконструкции, активное участие в его восстановлении приняли специалисты Большого театра. Поэтому гастролеры привезли на новосибирскую сцену ряд из своих самых масштабных спектаклей - "Спящую красавицу" и "Легенду о любви", которые в Москве не помещаются в формат Новой сцены, дополнив афишу хитом последних сезонов - "Светлым ручьем".
Для этих спектаклей театр подобрал оптимальный состав именитых звезд и многообещающих дебютантов. И "Спящая красавица", открывавшая гастроли, позволила сибирской публике увидеть Николая Цискаридзе в партии Дезире, а не в привычном для них имидже телезвезды. Ансамбль с ним составили ведущие мастера Большого театра Анна Антоничева (Аврора), Мария Аллаш (Фея Сирени), Геннадий Янин (Фея Карабос), Марианна Рыжкина (Принцесса Флорина). Особенное воодушевление зала вызвало появление рядом с ними маленьких учеников Новосибирского хореографического училища.
И все же болезни и травмы внесли свои коррективы в планы Большого, поэтому помимо дебютов, запланированных еще в Москве, почти на глазах публики готовились срочные вводы. Однако ускоренные темпы подготовки не помешали Екатерине Крысановой продемонстрировать осмысленный, красивый по форме танец в партии Феи Сирени (несколько дней спустя она дебютировала еще и в партии Зины в "Светлом  ручье"), а Анне Никулиной обрести одну из самых удачных работ в своем репертуаре - Золушку в той же "Спящей  красавице". Героем местной публики стал Дмитрий Рыхлов,  выпускник местного
 хореографического училища,   оказавшийся     бессменным
 исполнителем партии Визиря в "Легенде о любви". Наверняка
 одним из самых интересных дебютов   сезона   окажется
выступление в том же балете  Нины   Капцовой   в   партии
 Ширин. А Андрея Меркурьева  в Новосибирске узнали не
 только как первоклассного  исполнителя    современной
 хореографии (там он впервые показал своего Петра в "Светлом ручье"), но и танцовщика, которому под силу одна из сложнейших партий классического репертуара - Голубая птица в "Спящей красавице".
Московской        публике остается лишь позавидовать
сибирякам, перед которыми за десять     гастрольных   дней
танцовщики Большого предстали редстгщ. не только в своих привычных амплуа, но и в тех образах, которые столица пока
 не знает.
Анна Николаева
 
Смычок и струны

Biennale de la Dance-2006 в Лионе

В этом году фестиваль современного танца в Лионе Biennale de la Dance принимал, как обычно, знаменитых и именитых гостей со всего мира - представителей разных жанров, наций и стилей в современной хореографии. Творческая политика энтузиаста и высокого профессионала директора лионского Дома танца Ги Дормэ всегда отличалась широтой взглядов и умением распознать талант. Неслучайно каждый год на фестиваль приглашаются в качестве звезд те, кто много лет назад дебютировал здесь на заре карьеры.
Нынче таким героем биеннале стал известнейший европейский исполнитель фламенко Фаррикито, впервые вышедший на профессиональную сцену в пять лет и уже в девять выступавший в Лионе. В спектакле его труппы "Farruquito у FamiLia" участвовал весь семейный клан, ведущий традицию от дедушки - легендарного артиста, основоположника стиля "pure flamenco". Сам Фаррикито - Хуан Мануэль Фернандес Монтойя - двадцатипятилетний статный красавец, его младший брат Антонио Фернандес Монтойя по прозвищу Фарруко, их мать Розарио Монтойя - Ля Фаррука, другая представительница клана Пилар Монтойя - Ля Фараона, - и третий танцовщик Хуан Антонио Фернандес по прозвищу Барулло представили в сопровождении певцов и гитаристов квинтэссенцию чистого фламенко.
Это настоящее андалузское фламенко - хриплое гортанное пение, яростные взрывы гитары и танец - как ледяной огонь, страстный и высокомерный. Здесь царят элегантные, натянутые, как струна, мужчины, чьи звонкие каблуки выбивают дробь, от которой замирает сердце, а говорящие руки обволакивают горделивый корпус неотразимыми жестами. Им вторят немолодые, но грациозные, несмотря на пышные формы, женщины - не соблазнительные красавицы, а роскошные матроны. Танец рассыпает вокруг себя искры обжигающей страсти, пластически выражает национальный характер, воплощает в себе кровавую и завораживающую андалузскую корриду. Накалу страстей во время представления способствовало и то, что публика знала: в прошлом году Фаррикито насмерть сбил человека, находясь за рулем. Теперь ему грозит трехлетнее тюремное заключение. Это его последние спектакли. Поэтому все еле сдерживали слезы - зрители, друзья-испанцы, высыпавшие на сцену в финале и устроившие импровизированный концерт после шоу, и сами артисты.
Разнообразие вкусов организаторов фестиваля ощущалось в каждом пункте фестивальной программы. Одним из самых ярких моментов биеннале стало выступление труппы "Compania Nacional de Danza" Начо Дуато, занимающего среди современных молодых хореографов лидирующее положение. Его спектакль "Сложность. Формы молчания и пустоты" завораживал красотой и изобретательностью. Постановка 1999 года приобрела за это время образную завершенность и отточенность каждого эпизода. Основой и источником вдохновения спектакля испанского хореографа стала драматичная и прекрасная музыка Баха - его полнозвучные и идеально подходящие для танца фрагменты "Искусства фуги". Начо Дуато, сам прекрасный танцовщик на пике формы, открывал и завершал действие собственным соло - медитативным и изысканно медленным этюдом в духе чуть старомодного танца-модерн. Его труппа представила коллаж из разнообразных, находящихся в контрастном и драматичном взаимодействии эпизодов - эстетски отточенных или остроумных и бесшабашных, игривых и напряженно эротических. Танцовщики имитируют движениями оркестр с дирижером, мужчины с обнаженными торсами, в корсетах и кринолинах танцуют аллеманду, группа фехтовальщиков-мушкетеров - сарабанду. Женщина-скрипка в струящемся платье одержимо играет сама на себе смычком-шпагой, которую страстно ломает в конце эпизода. Безусловно, центром спектакля становится дуэт музыканта в камзоле и пудренном парике и женщины-виолончели в трико. Танец еще не знал такого воплощения эротизма музыки, такой концентрации динамики в статике, такого накала эмоций, как в этом самозабвенном акте между музыкантом, играющем пассажи на женском теле, и его партнершей. Стихи Иннокентия Анненского "Смычок и струны", наверняка неизвестные хореографу, могли бы стать отличным эпиграфом ко всей сцене: "Неправда ль, больше никогда Мы не расстанемся, довольно? / И скрипка отвечала: "Да!" / Но сердцу скрипки было больно". Пожалуй, эротизм и ирония - две самые сильные краски этого зрелища. Начо Дуато, немного замедляя темп во второй части постановки и опираясь на музыку Баха, находит в ней отражение своих чувственных и эмоциональных фантазий. Вихревые спирали органа воплощаются в танце мужчин в сутанах, мотив смерти проступает в дуэте учителя и ученицы, что-то культовое видится в движениях фигуры в белой маске. Спектакль Начо Дуато - по-настоящему красивое зрелище, от которого мы в последнее время отвыкли в потоке эксцентричных поисков современного танца. И в этом его главная ценность.
Ошибочно было бы полагать, что диапазон программы фестиваля ограничивался современным танцем, выросшем из классической пластики, и фольклором, вознесшимся на вершину искусства. Лионская публика и многочисленные поклонники искусства танца, съехавшиеся на фестиваль, с искренним интересом погружались в энергию хип-xonf, постмодернистские опыты австралийской труппы "Форс-мажор", танец чернокожей исполнительницы (в прошлом -звезды труппы Мориса Бежара) Жермены Агони, экспериментирующей в области соединения этнического африканского танца с современной пластикой, откровенно европейскую эстетику танц-театра в понимании колумбийской трупы "Cie L'Explose" Тины Фернандес, существующей на грани допустимого натурализма.
Надо ли говорить, что Лион в дни фестиваля буквально лихорадит. Весь город высыпает на улицы во время шествий-дефиле, проходящих в карнавально-праздничном настроении при участии всех районов города, окрестностей, представителей всех профессий и возрастов. А еще лионцы с неослабевающим энтузиазмом участвуют в ставших уже традиционными балах. Несмотря на неожиданную болезнь, помешавшую директоруфестиваляГи Дормэ лично участвовать во всех проектах, эта традиция только укрепилась. В этом году самый красочный бал посвящался Болливуду - радостной и наивной фабрике грез азиатского кино. Поэтому все нарядились в индийские сари и платья с шароварами, в перестроенном здании бывшего вокзала звучала индийская музыка, а на дискотеке гости вполне профессионально танцевали индийские танцы. Впрочем, публику фестиваля современного танца в Лионе всегда отличала не только любовь к искусству нового времени, но и искреннее умение веселиться.

Наталия Колесова
Лион-Москва

В честь Сержа Лифаря
Блистательный танцовщик и хореограф оставил яркий след в истории балета и отдал 30 лет творческой жизни Парижской опере. Программа балетов во Дворце Гарнье посвящена памяти знаменитого метра.
Сергей Михайлович Лифарь, родом из Киева (1905-1981), прославился как танцовщик в труппе Дягилева: с 1923 по 1929 гг. он солировал в 40 балетах. Затем Лифарь был приглашен в Парижскую оперу (П.О.) для исполнения балета Бетховена "Творения Прометея". Его начал ставить Баланчин, но заболел, и Лифарь, изменив либретто, создал свой спектакль и станцевал главную роль. Успех был настолько грандиозный, что 25-летний танцовщик получил пост руководителя труппы и возглавлял ее четверть века (!): балетмейстер, солист, педагог (1930-44, 1947-58). В 1947 г. Лифарь основал Академию хореографии (с 1950 г. Институт хореографии П.О., с 1958 г. Университет танца), с 1955 г. вел в Сорбонне курс истории и теории танца. Деятельность Лифаря имела большое значение для возрождения французского балета в период между воинами. Под его руководством труппа П.О. стала одной из лучших в Европе, с разнообразным и обширным репертуаром. Лифарь поставил более 200 балетов и дивертисментов для оперных спектаклей. В прошлом году  отмечалось 100-летие со дня рождения Лифаря. Сейчас в связи с 30-летием со дня его смерти П.О. показывает программу в честь выдающегося метра неоклассического танца.
Премьера: "Полет Икара"
Мемориальная программа включает два шедевра Лифаря - "Сюита в белом" (1943) и "Миражи''(1947). Первый балет - истинное пиршество хореографической фантазии: триумфальный парад танцевальной техники и неоклассического стиля предстает как кружевная феерия, искусно сотканная  из виртуозных ансамблей, трио, дуэтов и соло, сверкающих, слово драгоценности, в ожерелье академических этюдов. Роскошный дивертисмент, в котором царствуют идиллия и элегантность, струится под романтическую музыку Лало, украшенную восточными мелодиями. Балет ослепляет белоснежным фейерверком вуалевых платьев и шелковых костюмов, эффектно контрастирующих на черном бархате двухярусной сцены.

"Миражи" на музыку Core представляют таинственные видения во дворце царицы Ночи; сюда проникает молодой человек, надеясь найти мечту, ему открываются сны, богатства и любовь, но в итоге он находит лишь свою тень - одиночество. Сказочное либретто Лифаря, воздушные декорации и причудливые костюмы Касандра вдохновляли композитора на создание музыкальной атмосферы балета.
Между этими одноактными балетами предстает словно эхо "Икара" Лифаря (1935) премьерная постановка "Полет Икара" Тьери Маландена. Один их наиболее интересных хореографов Франции, он возглавляет труппу Балет Биаррицы (с 1958-го), является автором 60 постановок, в том числе для ряда зарубежных трупп. Для интерпретации мифического сюжета Икара им выбран фортепианный концерт Шнитке (1979). Яркая, экспрессивная музыка гармонично связана с оригинальной концепцией хореографа, согласно которой вечное стремление от мрака к свету предстает как трансформация Минотавра в Тезея и Икара. В 25-минутном балете участвуют 14 девушек и юношей, согласно числу жертв Минотавра. Танцевальное действие, философское по содержанию и символическое по форме, служит неким мостом между неоклассикой Лифаря и современной стилистикой Маландена.
Балет начинается в сумраке сцены с желтым настилом, вздымающимся в ее глубине (автор декораций и костюмов -А.Лагард). В "лабиринте" отрешённо движутся девушки и юноши в красивых костюмах с паутиной рисунков наподобие оперения птиц. В одной из картин артисты составляют картину, напоминающую легендарные крылья Икара. Причудливый свет (автор - Ж.К.Аскье) вносит дыхание тайны в действо.
Главную роль танцует Бенжамен Пеш, звезда труппы, обладатель Grand Prix международного конкурса Майи Плисецкой .в Петербурге. В исполнении программы участвуют все 14 звезд и 14 солистов труппы, которые демонстрирует высокую танцевальную технику и чистоту неоклассического стиля. Особых комплиментов заслуживает талантливый эстонский дирижер Велло Пахн; уже 18 лет он регулярно аккомпанирует балетам П.О. Благодаря его таланту и мастерству оркестр театра звучит необычайно образно и экспрессивно.
"Серж Лифарь в Опере"
Так называется великолепный альбом, только что выпущенный парижским издательством Editions de la Martinire, отражающий творческий путь знаменитого артиста и хореографа в П.О. На 127 страницах представлены воспоминания 36 современников Лифаря, его рисунки и 67 черно-белых фотографий из архива Библиотеки-музея Оперы, ряда агентств и частных коллекций. Интересный текст, составленный под руководством известного публициста Ж.Маннони, включает предисловие директора Балета П.О. Б.Лефевр, очерк М.Ф.Кристу "Серж Лифарь, оттуфли к перу", четыре главы - "Реформатор", "Исключительная личность'', "Напряженное творчество", "Лифарь после Лифаря". В приложении - хроника жизни и творчества, хореографические произведения, библиография, индексация.
Призеры танца 2006
В Большом фойе Дворца Гарнье в присутствии руководителей П.О. 12 и 19 октября состоялось награждение призеров AROP и Cercle Carpeaux. Эти Ассоциации по распространению славы П.О. ежегодно вручают свои призы (5 и 6 тыс. евро, соответственно, с 1987 и 1982 гг.) наиболее перспективным балерине и танцовщику кордебалета П.О. за успешное исполнение ролей в предыдущем сезоне. Среди 37 лауреатов AROP 10 стали потом первыми солистами и 14 - звездами труппы, среди 35 лауреатов Cercle Carpeaux 8 удостоены положения первых солистов и 14 - звезд труппы. Теперь приз AROP получили 22-летняя Лора Эке (из группы сюжетов) и 28-летний Жан-Филипп Дюри (из группы корифеев), приз Cercle Carpeaux вручен то же Л.Эке.
Лора танцует в спектаклях театра с 2000 г. В 2003 г.
анцовщики , затем партию "Каприччио". В 2006 г. Лора исполняла роль Манон в балете Дж.Ноймайера "Дама с камелиями". В каждой партии изящная и обаятельная балерина пленяет музыкальностью и грацией. Отточенная техника в сочетании с тонкой эмоциональностью -основа ее успешной карьеры.
Жан-Филипп танцует в спектаклях театра с 1997 г. Приглашенные хореографы часто доверяют ему сольные партии в своих постановках - М.Бежар, П.Бауш, У.Форсайт, Э.Лок, М.Эк, Дж.Килиан. Сейчас Дюри занят в премьерной постановке Т.Маландена "Полет Икара". Богатая пластика и врожденный артистизм, техническое мастерство и прекрасная внешность дают яркую окраску каждой его роли. Параллельно с карьерой танцовщика Ж.Ф.Дюри увлечен постановочной работой: его 4 миниатюры, показанные в П.О., имели большой успех у публики и критики.
В 1998 г. Жан-Филипп стал призером конкурса Майи Плисецкой в Петербурге: премии за артистизм и современный танец. В 2001-м -получил Первый приз на конкурсе во Флоренции и Grand Prix Итальянской республики. Танцевал в труппе "Балет Монте-Карло".

Виктор Игнатов
Париж.

Белый шарф Эсмеральды

Творчество "Кремлевского балета" можно рассматривать лишь в контексте тех непростых обстоятельств, в которых уже ряд лет работает коллектив, который вынужден соперничать с многочисленными и разнообразными шоу, не часто уступающими сцену балету. Итак, с одной стороны, престижное положение (Кремль!) - самая большая сценическая площадка, общедоступность и по стоимости билетов, и по возможности попасть в театр. С другой, - забота о наполняемости зала, привлечении масс зрителей на балет. Отсюда определенная репертуарная линия, нацеленная на знакомые названия, что у всех на слуху. В прошлом сезоне репертуар обновился "Спящей красавицей". Теперь - премьера "Эсмеральды".
"Эсмеральда" знала великое множество сценических воплощений. Хореограф Андрей Петров (он же художественный руководитель театра "Кремлевский балет") пошел по пути современного воссоздания самых первых версий балета Перро -Петипа, постаравшись сохранить все, что можно, из старого шедевра. Но многое предстало по-новому, в частности образы и мизансцены сугубо пантомимные. Это эпизоды, связанные с ролями Клода Фролло, Квазимодо, отчасти Гренгуара. Кстати, артистам гораздо труднее справляться с пантомимой, тогда как в танце они чувствуют себя свободно.
Наблюдая творчество А.Петрова с его первых шагов ("Деревянный принц" Б.Бартока) и до нынешнего времени, хочется подчеркнуть редкое его качество: мы знаем, как часто творец, создав первые значительные произведения, потом начинает заниматься самоцитированием и перестает двигаться вперед. Андрей Петров - пример совсем иного склада. Он демонстрирует высокопрофессиональное владение приемами академической хореографии, умелой режиссуры, находит оригинальные подходы в решении сюжетов. Его балеты-полотна масштабны, философичны. Он не разменивается на популистские опыты, которые, возможно, имели бы шумный отклик у определенной аудитории.
Хореограф спектакль за спектаклем прибавляет в мастерстве. Как жаль, что московская публика лишена возможности видеть его балет "Наполеон Бонапарт", удивительную по оригинальности "Коппелию" с музыкой Делиба и самого Гофмана; грандиозную "Фантастическую симфонию" Берлиоза, экзотический восточный балет о сиамском принце, показанный на гастролях в Таиланде!
Но вернемся к "Эсмеральде". Как всегда, премьера буквально ошеломила декорационным оформлением, яркими костюмами. Таков стиль "Кремлевского балета" - дарить зрителю поистине незабываемое яркое зрелище. Художник-постановщик Г.Белов и художник по костюмам О.Полянская предложили изысканное визуальное решение спектакля - холодная серая готика средневекового Парижа вдруг оживляется контрастом ярких костюмированных сцен, живыми страстями, разыгрывающимися на фоне вечного города. Оформление эффектно, изобретательно, грандиозно на протяжении всех девяти картин балета. Труппа театра корректно воспитана замечательными педагогами и репетиторами, среди которых Е.Максимова, Н.Семизорова, А.Кондратов, В.Кошелев, В.Рыжов. Но ощущается некоторая нехватка кадрового "люфта" в мужском составе. Иначе как можно объяснить, что солист Сергей Смирнов в разные дни танцует и Феба, и Гренгуара?! Впрочем, проблемы с мужским составом переживает не только "Кремлевский балет". Порадовал талантливый экспрессивный Дмитрий Альтамаре в партии Квазимодо, сложной технически и требующей от артиста глубокого драматизма.
Женская часть труппы предстает в состоянии корректной солидности, в чем видна работа педагогов. Отрадно стремление руководства труппы воспитать свою этуаль по типу идеальной Светланы Захаровой. В таком аспекте воспринимается искусство юной Кристины Кретовой, безупречной по линиям и технике танцовщицы. Но мне не хватало в ее Эсмеральде подлинного (ненаигранного) драматизма,так что заключительныетрагические сцены ("Темница", "Шествие на казнь") больше взял на себя режиссер-постановщик, а не артистка. Думается, что в этой партии была бы уместна в другом составе неподражаемая Наталия Балахничева.
Хореография А.Петрова продемонстрировала органичное вживание в академическую природу старого балета: прекрасно сочиненное гран па (первое действие, в доме Флер де Лис) можно принять за творение Петипа. Однако, как кажется, в картине "Двор чудес" и других эпизодах с участием персонажей варяжского дна не хватает терпких гротескных красок, как это написано у Гюго.
Мы помним ленинградскую "Эсмеральду" 1982 года, воссозданную на сцене МАЛЕГОТа Н.Боярчиковым при помощи Татьяны Вечесловой - легендарной исполнительницы титульной роли. Сохранилась кинозапись того балета, сделанная позднее. Спектакль выглядит весьма скромным по масштабу и сценографии в сравнении с кремлевским; второй заключительный акт у А.Петрова абсолютно оригинален. Хореограф обладает сильной режиссерской рукой и уверенно ведет действие к трагической финальной кульминации. Впечатляет заключительная сцена в подземелье, где Квазимодо должен похоронить Эсмеральду: белый шарф, ставший предметом трагического раздора, летит и падает, падает и летит... Только теперь он символически воплощает бессмертную душу Эсмеральды. Звучит возвышенная музыка, поет детский хор...
Я видела слезы на глазах у зрителей. Давно не припомню такого. Создателям спектакля удалось достичь катарсиса.

Галина Челомбитько



Башмачки навырост
В Воронеже показали премьеру балета "Золушка" в хореографии Владимира Васильева

 Телефонный звонок Владимира Викторовича Васильева с предложением поставить "Золушку" Прокофьева в Воронежском театре оперы и балета был встречен мной радостно и с благодарностью. Пятнадцать лет назад премьера спектакля прошла в театре "Кремлевский балет". Тогда полнометражный балет с открытими музыкальными купюрами в оригинальной хореографии В.Васильева и с великолепными костюмами, выполненными по эскизам французского кутюрье Жерара Пипара и изготовленными фирмой "Нина Риччи", вызвал много споров и противоречивых отзывов в московской прессе. Российский национальный симфонический оркестр под управлением Михаила Плетнева произвел фурор, а незабываемая Екатерина Максимова в роли Золушки была бесподобна. Мы же, соучастники этой постановки (мне довелось быть репетитором спектакля), испытали небывалый подъем и твердое желание преодолеть все возникающие на нашем пути препятствия. Неудивительно, что довольно скоро труппа выехала на гастроли в Париж, где в огромном зале Конгрессов с аншлагами танцевала полюбившуюся парижанам "Золушку".
Впервые мне довелось побывать в Воронеже шестнадцать лет назад. Тогда главным балетмейстером театра был Р. Ибатуллин, перед которым остро стояла проблема обновления репертуара. Затем на протяжении многих лет труппу возглавляла народная артистка СССР Н. Валитова. Ее профессиональный авторитет в городе был очень высок, Она воспитала несколько поколений высококлассных артистов, вела педагогическую работу в хореографическом училище и театре. Недавно ее жизнь трагически оборвалась. Должности главного балетмейстера театра и художественного руководителя хореографического училища сегодня совмещает Людмила Сычева, деятельная и гибкая в принятии решений. В коллективе много молодежи - выпускников Воронежского училища.
К работе мы приступили вместе с моим коллегой и сыном Максимом Васильевым, танцевавшем в "Золушке" "Кремлевского балета" различные партии. Во время подготовки стало ясно, что спектакль нуждается в сокращениях и хореографической корректуре. Особенно это касалось сцены "Комната принца". Все детали и подробности мы обсудили с Владимиром Васильевым на рабочей встрече в Москве.
Известные художники Виктор и Рафаил Вольские предложили остановиться на эскизах костюмов, в основе которых лежал замысел Жерара Пипара. С директором театра Игорем Непомнящим наметили порядок выпуска спектакля и оговорили сроки работы.
Первые постановочные репетиции - очень важный этап работы. Известно, что определить состав исполнителей непросто. Спектакль Васильева насыщен танцевально-игровыми партиями. Таковыми являются Мачеха (в мужском исполнении), сестры - два антипода - Злюка и Кривляка, виртуозная партия Танцмейстера, изящно-технические вариации Фей в сцене "Времена года", а также партия Феи-Волшебница. Методом проб и ошибок был определен лучший состав исполнителей. Сочетание актерского мастерства с технически оснащенными движениями оказалось по силам солистам театра. Кордебалет - самое уязвимое звено коллектива - подтвердил малым количеством, но хорошим качеством, право танцевать сложную и интересную Васильевскую хореографию. Все работали профессионально, с полной отдачей.
Формируя состав премьеры, хореограф отдал предпочтение ведущей солистке театра очаровательной Светлане Носковой и одаренному начинающему танцовщику Александру Войтину. Пара эта сложилась случайно. Сценическое обаяние партнеров произвело самое приятное впечатление. Светлана Носкова - лидер в дуэте. Миловидная, но не всегда уверенная танцовщица неожиданно для себя одержала высокую творческую победу. Технические возможности Светланы были реализованы полностью. Движения балерины искрились и переливались красивыми линиями, отточенной пальцевой техникой. Но, главное, это поиск индивидуальной трактовки партии Золушки. Какой замечательный контраст между Золушкой-падчерицей и Золушкой-принцессой открыла танцовщица! Все события в истории ее героини были рассказаны через танец органично и искренне.
Александр Войтин - танцовщик скульптурного телосложения, работоспособный, настойчивый, влюблен в профессию. Высокий прыжок, смелое вращение - природные данные быстро нашли применение в нашей совместной работе. На первых встречах бросились в глаза нехватка знаний в области законов дуэтного танца. Но этот пробел был ликвидирован танцовщиком старательно и быстро. Сказались хорошая выносливость и физическая подготовка. Партия Принца быстро вывела Войтина на положение премьера. К сожалению, в поисках "синей птицы" артист (надеюсь, что временно!) выпорхнул из стен Воронежского театра.
Каждый^ приезд Мастера будоражил и вдохновлял всех участников спектакля. В доброжелательной творческой атмосфере рождались новые краски, неожиданные решения. Работалось быстро и плодотворно. Премьера прошла с огромным успехом. Продолжительные овации зрителей и светящиеся лица артистов - главный итог нашей творческой встречи. Сегодня костюмы уже отправлены в США. Впору ли придется хрустальная туфелька любителям балета за океаном, покажет время.

Наталья Воскреснская

Любовь Гершунова

Во многом она была первая. До появления Л. Гершуновой были большие сомнения в том, что воспитанники местной школы могут удержать высочайший к тому времени уровень спектаклей стремительно ворвавшегося в тройку лидеров советского искусства молодого Новосибирского театра оперы и балета. Эту славу завоевали выпускники Московской, Ленинградской, Пермской балетных школ, приехавших работать в Новосибирск.
Любовь Гершунова была первой, кто опроверг сомнения скептиков, она стремительно ворвалась в ряд самых ярких звезд советского и мирового балета. Она стала первой из выпускников Новосибирской балетной школы лауреатом международного конкурса артистов балета в Варне, заслуженной и затем народной артисткой России, лауреатом государственной премии России в области искусства.
Любовь Гершунова была романтической балериной. Это проявилось в полной мере уже в первой ведущей партии -Сюимбике в балете Ф. Яруллина "Сюимбике - птица счастья" ("Шурале") в 1968 г. Первый спектакль очень важен для становления артиста. Самую большую пользу приносит участие в создании оригинального, самобытного спектакля. Ставил спектакль тогдашний главный балетмейстер новосибирского тра И.Г. Есаулов. Игорь Григорьевич смог увидеть в начинающей артистке будущую великую балерину. Первый же спектакль показал справедливость ожидания. Образ сказочной птицы, приносящей людям добро и счастье, соответствовал творческой индивидуальности Любови Гершуновой. Балерина каким-то неведомым чувством умела рассчитать, как показать свои прекрасные данные, как найти выгодный ракурс, как превратить невыгодное движение в эталон грациозности. Уже первые спектакли показали уникальное умение Гершуновой наполнять необычайным внутренним смыслом медленные, плавно тянущиеся, пусть даже и простые движения, вкладывая в них поэтичность и одухотворенность. Казалось, что Гершунова говорит со зрителями сердцем.
Естественным продолжением была партия Одетты. Л. Гершунова в "Лебедином озере" сначала станцевала Одетту и лишь через год ввелась в Одиллию. Это вполне соответствовало ее лирическому таланту. На сцене Новосибирского театра Л. Гершунова создала незабываемые образы классического репертуара: Одетта-Одиллия, Жизель, Маша-принцесса ("Щелкунчик"), Аврора ("Спящая красавица"), Никия ("Баядерка"), Сильфида, Китри ("Дон Кихот"). Это Хозяйка медной горы ("Каменный Цветок"), Паскуала ("Лауренсия"), Фригия ("Спартак"), Ева ("Сотворение мира"), Мехмене-Бану ("Легенда о любви"), Кармен ("Кармен-сюита"), Леди Макбет ("Макбет") и другие.
Одним из самых знаменательных событий в сценической жизни балерины стала работа над партией Джульетты в балете С. Прокофьева "Ромео и Джульетта". Постановщики новосибирской версии ставили спектакль именно на индивидуальность этой балерины. Впоследствии, в журнале "Театр" Н.Касаткина и В. Василев писали: "На первый взгляд она кажется слабым подростком, которого боишься сломать, взвалив на нежные плечи непосильную тяжесть. Но начинается работа, и видишь, какие силы скрыты за эфемерностью, полудетской хрупкостью. И какая организованность заложена в самом ее таланте. Гершунова рождена для танца".
Впрочем, балерину балетмейстеры любили. Многие спектакли, появившиеся впервые на сцене Новосибирского театра, ставились именно в расчете на уникальный талант Любови Гершуновой. Это целая галерея незабываемых образов - Сюимбике, Наталька ("Избранница"), Октавия ("Антоний и Клеопатра"), Сари ("Тропою грома"), Шехеразада ("Тысяча и одна ночь"), Сольвейг ("Пер Понт"), Жар-птица, Царь-девица ("Конек -Горбунок"), Франческа ("Франческа да Римини") и множество концертных номеров.
О Гершуновой можно говорить как о величайшей трагической актрисе в балете. И здесь прежде всего вспоминается ее Джульетта, сцена смерти Тибальда, сцена с ядом, финал балета. Балерина достигала высот трагической выразительности и в балетной классике. Причем в отличие от многих балерин моментами истины, вершинами трагедийности оказывались не пантомимные сцены, а именно танцевальные. В "Жизели" это был весь второй акт. В "Баядерке", "Лебедином озере", "Сильфиде" -финальные действия.
Любовь Гершунова танцевала в спектаклях Большого театра СССР "Жизель", "Спартак". Ей аплодировали зрители более чем 30 стран мира. Часто на зарубежные гастроли новосибирская балерина выезжала с солистами столичных театров. Вот несколько фрагментов из зарубежных рецензий на такие концерты. "Ее техническое мастерство парализовало и оставило нам ощущение, что это - лучший "Умирающий лебедь", которого мы когда-либо видели, хотя среди виденных нами артистов всех времен такая, как Марго Фонтейн. Она была менее реальной и тем более очаровательной". "Любовь Гершунова и Анатолий Бердышев исполнили с непогрешимой утонченностью адажио из балета "Лебединое озеро ".Балерина вместе с Бердышевым: покорила публику в "Ромео и Джульетте". Оба танцовщика добились единения и страстной экспрессивности в этом номере". "Субботним вечером на сцене Национального театра кому можно было бы присвоить категорию первой фигуры в дебюте звезд советского балета, так это, несомненно, балерине Любови Гершуновой. Многочисленная публика стоя и с криками "браво" аплодировала Гершуновой, которая благодарила за признание нежными и скромными жестами... В Гершуновой прослеживается большая музыкальная чуткость. Ее исполнение восхитительно! Эти качества, которые мы отмечаем, добавляются к ее изящной фигуре, ясному лицу в ореоле прекрасных волос: Гершунова - как бы прототип русской балерины: гладкие волосы, обрамляющие овал лица, черные глаза, великолепные руки, восхитительные ноги, прямой тонкий и гибкий корпус благородных линий".
Гершунову приглашали покинуть Россию, но она осталась верной родному театру.
Но наступали времена, когда трагедия вырвалась со сценических подмостков в жизнь. В самом расцвете творчества ей по году не давали выйти на сцену. Гершунову и практически всю обойму ведущих солистов балета из театра изгнали. Еше несколько лет поражал прекрасными спектаклями организованный этими артистами балет "Новосибирск 100". Однако творческий коллектив не устоял.
Обычно балерины живут долго. Но для актрисы, уровня и таланта Гершуновой смерть наступает с потерей сцены.
Ушла из жизни Любовь Гершунова. Она была символом самой яркой и счастливой эпохи новосибирского балета. Славное имя талантливой балерины навсегда останется в истории российского балета.

В. Ромм
 
главная